音乐艺术有提升人类社会审美功能和非审美功能两大方面的功效,它在以审美功能为主导的网络系统中,相互渗透和融合,对于人类精神层次的提升具有重大的现实意义。下文是学习啦小编为大家搜集整理的关于音乐艺术研究生毕业论文的内容，欢迎大家阅读参考!
音乐艺术研究生毕业论文篇1
浅析动画影片音乐的作用及表现形式
一、动画音乐在影片中能够抒发人物内心情感
音乐擅长的是对人内心世界和情感世界内容的表达，它不擅长视觉所擅长的东西，比如视觉可以看到的实实在在的客体，音乐则无法表达出来。为了可以让动画的受众沉醉其中，让其与动画中主人公的悲喜感同身受，就需要最大化的把动画音乐和人的内心情感进行交融，最好是融为一体。这样受众才会有一种身临其境的至高感受，乃至会感受不到音乐，而是沉醉于剧情之中，与主人公的悲喜同步。
在主人公欢快的时候，观众会随着一起高兴，主人公悲伤时，观众也会忍不住落泪，正是这样，动画音乐才具有了一种无法被取代的能力，这种能力就是引导观众走入之前被忽略的音乐的核心力。动画中所需要传达的各种感受，尤其是主人公的内心感受，就会在音乐的作用下，被观众理解。
在电影世界中，是没有办法通过音乐把主人公的心态表现出来的，但是，动画则不同，动画可以在音乐的帮助下，让受众理解，进而似乎可以看到。比如歌舞类动画音乐，就是在歌舞的帮助下，来对主人公的感受进行表现。在一部美国动画片《钟楼怪人》中，就是通过独唱来表现人物的感受，这段独唱是表达神父被欲望所折磨的痛苦，这种欲望正是来自于吉普赛女郎埃斯米达拉。另外一部动画片《风中奇缘》，其主题曲《用心聆听的声音》所表达出的正是主人公的丰富的情感，观众可以通过听这首音乐来感受到嘉康丽的内心。对于影片所要传达出来的更深层次的意思，可以通过音乐来表达。在动画的世界中，如果没有音乐，那将无法表达出影片所要传达出来的感情，也无法传达出影片的深层次含义。对白或者其他方式是很难达到这样效果的。
二、动画音乐是动画模拟节奏和情景真实的重要手段
动画音乐的使用，在影片中非常重要，动画音乐可以在时间和空间上，给动画打造出各种各样的气氛或者是各种不同的特定的基调，这气氛和基调可以是局部的，也可以是整体的，从而达到为整个动画增加画面感染力、使观众的视觉效果更加强烈的目的。影片所需要的那种特定的背景氛围，就是通过动画音乐来细致入微的营造的，而不是通过对整个画面内容的重复达到的效果。很多影片在使用音乐时，都能达到增强其艺术感染力的目的，这说明，音乐非常重要。
影片离不开音乐，尤其是无声动画中，人物无法用语言说明情节，唯一所依靠的就是音乐，这也是音乐的一个主要的作用。为了使整个影片达到良好的效果，就需要根据整个影片的情调和节奏，来对音乐进行安排，使音乐与其结合，从而可以增加影片的真实性，让观众沉醉其中。如《小鹿斑比》中，刚放完主题音乐，整个镜头就转到了森林里，音乐也就随着画面进行转换，从大调换为关系小调，把画面感表现的十足，森林里，小动物们在安静的睡着，这时的音乐就是关系小调，动画片中，动物在伸懒腰，他们的动作节奏和半音级进的音节，小鸟在争抢时的画面和小快板的节奏，这些音乐与画面的结合足以把真实的情境表现得淋漓尽致，从而使整部影片充满活力，影片中的小动物们的形象栩栩如生。这样，就达到了整部影片的目的：让观众获得更好的体验，让观众更加满足，好像身在其中。
三、动画音乐高度概括影片的内容或是影片中的主要人物
(一)动画音乐的创作必须体现动画的总体构思
世界上的动画片各种各样，因为取材范围比较广，所以其题材类型也非常多，动画音乐也如此，其音乐的题材也很多，综合起来看，在动画片使用的音乐中，除了经常使用的通俗音乐、古典音乐或者是民间音乐，还可以创作出其他各种类型的音乐，比如计算机的数码技术和电子合成器创作出的音乐，甚至还可以是完全由嗓音构成的音乐。
在动画片中，最主要的就是其主题，它的主题所想要表达的内容就是进行音乐创作的基础，正是动画音乐的主题，才能把音乐形象的核心表现出来。对于音乐主题所需要表达的音乐形象，通常是经过一定的音乐曲式的发展才能完成。随着时代的变化，人们对音乐的曲式也有着不同的看法，所以动画音乐的曲式也在不断变化。
动画音乐的曲式是一种现代出现的新型的题材，所以它是在学习前人的基础上再加以创新。为了观众最好的体验到动画中所要表达的内容，动画音乐要根据动画的具体内容来选择，如果出现了不同的民族，动画音乐就需要采用不同民族的音乐。当然，同一个民族的音乐风格也在不断发展中变化，随着时间的变化，民族的音乐也在变化，主要影响民族音乐变化的有民族长期的风俗习惯、语言体系、精神气质、哲学思想、审美趣味等。社会在发展，文化交流在不断加深，中国经历了上千年的沉淀，其音乐也有着属于自身的独特魅力，有着自身的根和灵魂。
基于传统，再加上创新，我国的一些当代音乐家创作出了新世纪的音乐语言，他们在创作出这些新的音乐语言时，不但是在继承和发扬历史的悠久音乐文化的基础上，更是对禁锢于单旋律线的民族音乐进行改进。在这些音乐表现形式中，配器发挥了重大的作用，为了加强所要表达的效果，配器配合了影片的画面，把听与看进行了完美的结合。在动画音乐的配乐中，如何表达异域风情呢?那就是采用民族乐器了。
(二)动画音乐节奏的情感运动
音乐是非常神奇的，它能表达人类的各种情感，概括性非常高。这是其他任何艺术都无法超越的，尤其是音乐所具有的表情性，更是神奇。如何评判一部优秀的音乐作品呢?那就是看这部音乐作品是否具有强烈的鼓动力和感染力。各种音乐给人的感觉是不同的：深沉的音乐煽动人心，让人痛哭流涕;进行曲会让人为之兴奋，会让人跟着它的节奏而动;优美的音乐让人沉醉其中，非常享受;欢快的音乐让人舒畅。音乐在动画影片中，能表达的非常多，比如景色、心情。所以在动画中，离不开音乐的抒情性。在音乐与画面的共同作用下，观众早已沉醉其中，无法自拔。
动画的节奏有很多，有以下几个主要内容：1.人物对话的快慢、松弛和紧张的模式;2.剧情的内容;3.剧情的结构等。音乐只是其中的配角，以便表达动画中所要表达的节奏，可以推动动画剧情向前发展。通过画面，人们可以看到动画的人物的各种动作，而通过音乐，则可以表达出动画人物的内心。正是通过听和看，观众才能体会其中的情感。《三角形》这部影片，属于纯音乐，其中人的舞蹈非常连贯，因此就搭配上了流畅的旋律，就把音乐和运动完美的表达出来了，观看影片的人就能通过音乐和舞蹈动作理解影片所要表达的内容。
(三)动画音乐与其他影视要素的融合与表现
动画中有三个主要的声音，分别是：语言、音响、音乐，正是通过这三种要素来传达感情。在这三种要素中，语言占着主要的位置，它是传递信息，交流思想的主要手段，所以其逻辑性很强，是直接表达的方式。因为语言非常丰富，有音色、音调、节奏、力度的不同，能表达不同的性格，不同的气质和不同的情绪。在音响方面，可以使用的音响效果声非常广泛，音响的作用是，可以增强画面，渲染气氛，刻画人物心情。但是语言也是有限的，这时，音乐的作用就显示出来了，对于动画片中的主题的突出、情绪的渲染、感染力的加强，都是通过语言无法表达的，而音乐可以。动画中的这三种主要的因素结合起来，才能达到最好的效果。
四、结语
通过上文发现，动画音乐是动画生产中的一个必不可少的环节，它在很大程度上丰富了动画影片的表现力和感染力，使动画中的人物和观众的距离拉近。现代动画，非常重视动画音乐，尤其是在重点关注角色场景及情节时。电影音乐大师伯纳德?赫尔曼说：“音乐能够挖掘并强化角色的内在性格。它将画面场景笼罩上特定的气氛恐怖、壮丽、欢乐或悲惨。平淡的对话一经音乐的陪衬便上升为诗意的境界。”
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音乐艺术研究生毕业论文篇2
论陈其钢音乐新作品《乱弹》中的音乐创作
当今的理论认识中，所谓音乐创作就是指旋律型、节奏型、音阶、调式、和声、复调、音色、音强、演奏法等等，总之，作为技术理论、工艺学、形态学层面的音乐表现所使用的各个侧面的技术手段，都可以归纳入音乐创作的范畴里。
乱弹的意思是相对于昆曲的所有的其他的剧本，在历史上统称为乱弹。也就是所谓的野路子、胡来的、民间的，或者说是雅与俗的对比。以秦腔为代表最后到京剧都是属于乱弹一类的。而昆曲是作曲家最喜欢的，所以作曲家之所以写《乱弹》也就是因为陈其钢觉得一个作曲的人应该永远尽量的去找一些突破的方式能够使自己很不一样，也就是陈其钢建立躬耕书院工作坊不是为了建立一个统一的风格，而是为了帮助大家打开思路，找到真我。
《乱弹》这首作品是作曲家从10月开始写，到了的9月3号停的，在此期间把作品的钢琴谱写好，历时将近2年。之后由于作曲家儿子的去世一度停笔，经过将近一年时间的休整直到的8月份又开始重新配器，到1月份完稿，4月份于香港首演，4月28日之后是首演之后的修改。这首作品作曲家先写好了钢琴谱然后开始配器，他使用了点状配器，不是说从头配到尾，开头是一个单间乐器开始，整首作品的曲式是一个变奏曲式。
这首作品的配器非常难，作曲家说这首作品的灵感来源于肖斯塔科维奇的《第七交响曲》，其中从一件单乐器开始到后来整个乐队辉煌庞大的演奏，然后作曲家回想起波莱罗，他想也做一个类似的尝试。但是作曲家说他从一开始就弄错了概念，因为这两位大师在这两部作品中都是有一个特别鲜明和清晰的旋律，并且是歌唱性的旋律，而《乱弹》的开始只有一个音乐的动机，要如何变奏，并且是要写一个乐队变奏曲而不是主题变奏曲。
所以在作品的每一次变奏的时候时间都挺长，所以乐队到了一定的时候就很难再写下去了，所有的作曲手法和配器法都用完了，要如何去进行创作是作曲家从一开始就发现的问题。但是陈其钢本人说他就硬着头皮写下去，因为他觉得既然已经决定写了就必须要写下去，至于写的好不好是另外一回事。这就是《乱弹》这首作品可以从谱面上看到有的地方有配器，有的地方没有配器，因为这是一个变奏曲。
所以作曲家说在创作的时候他是一段一段的配器，因为有很多地方有重复，于是他就先配一段，然后把这一段的配器先拷贝到下一段重复的地方，然后等真写到下一段重复的时候他再重写，因为有一个基础在那里。但是作为一个很长的变奏曲在创作的时候你必须要记住你前面所有创作的配器小节，因为一旦忘记了前面的配器手法你的变奏曲最终将完成不了，所以作曲家说他在一开始就运用了结构统计图表的方法，他为自己的作品做了一个结构统计表。
这个表的左边写着的是各段落所占小节，各个段落的名称，调性以及起止小节的数量，配器方式要写上，然后就开始重复各个段落所占小节，另外还有一个日期纪录，每天写完都在那里记录下日期。这种方式会使作曲家非常不容易犯记忆上面的错误，如作品197-204小节是一次主题的变奏，再写下一次的变奏时他会非常清楚所有这若干遍的变奏在之前是如何进行的。到了一定的阶段变奏必须要走出去，这首作品的基本骨架是九个变奏，到最后的时候作曲家几乎不需要再记了，他的脑子这时候已经非常清楚。所以对于一个作曲家来说写作最开始的时候总是最难的，问题不是素材少而是素材太多了，作曲家要面对的是如何进行选择。
关于《乱弹》这首曲子是一个直线型发展，就是从弱，听不见的弱到震耳欲聋的强，这是这首作品的一种变奏方式。作品中的另一种方式是劳动式的变奏，所谓劳动式的变奏方式就是让乐队队员干活，让他们疲劳，即在运动中达到一种兴奋，一种极致。所以对演奏员来说这首作品的体力支出非常大，所以在香港首演的时候这首作品是上半场最后一首，演奏员演出完了以后他们不想再继续演后面的曲目了，因为兴奋之后非常疲劳。因为音乐会是时间当中进行的一种形式，它和时间给人的感觉有直接的关系，它是在时间的积累当中存在的，因为有些音乐是需要在时间的积累下才能爆发出力量。这首作品就是在20分钟的时间内给人丰富的变化，变到最后的时候才感觉非常棒。
今年的12月份笔者有幸在上海交响乐团音乐厅重新现场聆听了上交演奏的《乱弹》这首作品，正如陈其钢自己所说这首作品在音响层面上是持续的“渐强”。在作品的最初的确没有一个旋律调性稳定和节奏方整的主题，而是以单簧管吹了一个很细碎的音乐动机，因为《乱弹》这首作品最初的动机还是和戏曲有关，而在中国的戏曲当中有很多的音乐唱腔是只有一些细碎的音乐动机的。
从音色上来看，对于音色的组合运用，一开始就是从一个木鱼的独奏单一音色开始，到中间段落的单件乐器的重奏混合在一起的音色与单一乐器独奏的混合音色，作品发展到后面部分不同乐器组之间的音色组合，最后到高潮部分整个乐队的齐奏，这部为乐队而作的变奏曲作品共有九个变奏部分，音乐动机看似每次出现没有变化但在演奏的过程中通过音色的组合变化对乐曲的效果产生了神奇的变化。
其实陈其钢的这种配器手法在他早期的作《失乐园》中就已经有所体现，不同乐器对同一主题的具有想象力的模仿和交替演奏几乎是陈其钢签名式的手法。这首作品还是延续了陈其钢一直所强调的“一个作曲家要找到自我和真我”这个观点，他一直觉得他应该加强对中国传统音乐更深入的研究与学习。他说他现在所有的中国传统的东西实际上是凭直觉来的，完全靠从小到大这几十年来所受的影响。比如京剧里的紧拉慢唱实际上他只知道
皮毛，完全是感觉，虽然用了，真正搞京戏的人一听就知道这是皮毛。因为它本身的变化太丰富了，而且每一次应用都不一样。音乐应该是随着人的感觉和呼吸来决定它如何演奏。同样一段音乐要想表达它，肯定要用不同的状态来弥补它，演奏它。这时候所用的音的长短、音的强弱都应该有所不同，有所调整。 但如果把它僵死地记录下来就是这么长，就不可能表达这些。西方音乐记谱从这一点看是一个缺陷。
可他们不会认为这是个缺陷，他们认为我们这是个缺陷。如果同古琴演奏家或传统打击乐演奏家接触，就会发现他们真是有他们的道理，没有一次演奏应该是一样的，如果两次演奏都是一样的话就没意思，就说明这音乐已经死在那儿了。所以《乱弹》这首作品作曲家说每次演奏的感受也应该是不一样的，而他本人近年以来的作品都试图将中国传统戏曲音乐里面的元素融入进现代作曲技法的作品中应该也是有源于这种想法。
在陈其钢的这首作品中也能清晰地感受到他所传达的那个观念，就是要走自己的路，除了需要坚定以外头脑还要清醒。当然只有头脑清醒才可能坚定，否则在压力面前就很容易犹豫或者怀疑自己。所以在《乱弹》这首作品中他还是坚持用了中国的戏曲元素，但是将这种元素交响化了，在配器手法中确实是西化了 ，但它并没有像很多现代音乐写的那样封闭，不能沟通，似乎只能作为一种纯研究的东西。作曲家觉得现代音乐实际上是种音乐，音乐实际上是平等的，现代音乐照样应该是人的心灵的反应，是可以引起共鸣的音乐。陈其钢的这首作品同样是把中国传统音乐融入进西方现代作曲技法很好的一个例子。在《乱弹》这首作品中同样可以看到这一点，作曲技法和音乐素材的结合其实是非常重要的。
