音乐学科论文范文简短精辟
网络上的购物方式给我们带来了很大的便利，但同时也存在一些潜在的风险和问题。传记的写作需要对历史人物的研究和对事实的真实再现。接下来是一些写作总结的范文，希望对大家有所帮助。
音乐学科论文范文简短篇一
对于学生来说，充分调动了他们的感官体验，激起了学习新歌的兴趣和欲望，就能更好地去体验和表现音乐。又比如，在处理一些音乐的情绪时，教师如果只是在语言上强调要优美地演唱，对于学生来说仍是空洞的。如果教师用优美的声音进行演唱示范，学生感同身受，就会情不自禁地学着用优美的声音去演唱了，可见教师的引领对于规范学生的演唱是何等重要。
二、回归音乐本真，音乐课应重视节奏教学。
节奏是音乐的灵魂。歌唱教学离开了节奏教学那就是无本之木，失去了骨骼和支撑。回想原来的节奏教学，总是把歌曲中的一些节奏点拎出来重点练习，这未尝不是一种训练的方式，在训练的最初可以用之。但是不要以为经常进行节奏训练，学生的节奏感就会提高很快，因为音乐节奏感是一种内心的体验，贯穿在音乐教学的始终，学生体验深刻了，自然而然就会产生这样的音乐感觉。节奏感是流淌在情感与肢体语言中的。在节奏教学时，不要忽视歌曲的情感因素，教师要身临其境地去表达和表现节奏，使得学生对音乐的感觉形象具体。比如：在指导连音节奏的连贯唱法时，教师用手势引导学生连贯演唱，学生能体会到连音唱法就像蚕宝宝吐丝又细又长，连绵不断。节奏教学并不是一蹴而就的，所以必须重复训练，只有一种节奏型深入其心了，再换一种来进行训练才会更有效，不过即使是同一种节奏型，每一次训练时都要有不同的要求，否则学生会渐渐失去兴趣，讨厌这样的训练方式。比如：听某位老师执教的《时间的歌》一课时，在教学中她特别注重节奏教学，从最初模仿小闹钟的`声音、大钟的声音、布谷鸟的声音入手进行练习，并巧妙进行多声部的配合练习，效果较好；在音乐游戏中，她也是有节奏读词，但这次加入了强弱对比，把节奏练习进一步深入；在新歌教学中也采用有节奏朗读歌词的方法，并注重了读法的引导。她还善于运用手势进行引导，强弱对比、轻重缓急，一招一式特别有效。节奏是音乐的骨骼，良好的节奏感将是学生学习音乐的一个先决条件。通过这样循序渐进的训练，学生们的节奏感渐渐增强，加深了内心的体验，在歌曲的演唱中就不会再出现节奏上的问题了。节奏教学不应是一个独立的教学范畴，而应贯穿融合在音乐教学的始终。比如：在执教《滑稽歌》一课时，师生之间可以进行有节奏的对话，师：她把袜子穿在哪里了？生：她把袜子穿在xx了。接着有节奏地朗读歌词，这样就为感受一首歌曲的节奏支架奠定了基础。为了突破休止处的难点，可以采用在休止处拍手的方式，这是一种用动作增强节奏感的一种较好的训练方式，如果能长期进行这样的节奏训练，相信内心的节奏感势必会增强。在表现的环节，提问：除了拍手外，我们还可以利用我们的身体做哪些动作？学生经过讨论后用跺脚、拍屁股、拍小凳子等体态方法加以表现，这样继续巩固对歌曲的节奏感觉，也深化着内心的节奏体验。而最后可以为歌曲进行简单的二部节奏训练，先单独再合成，加上教师的引领作用，表现效果非常好。在这样的课例中，节奏教学贯穿始终，节奏真正成为了音乐的骨骼，又不乏生动有趣，让学生主动融入。
三、回归音乐的本真，音乐课要重视发声练习。
现在的音乐课堂很少进行发声练习，导致学生一开口声音紧绷，全班的演唱很难达到和谐统一的效果。所以歌唱前的练声是必须的，但是发声练习忌枯燥乏味，只有生动有趣，才能让学生接受。例如，在低年级的发声练习，可以采用师生问答式的发声练习。如，师：小花猫在屋里――生：喵喵喵；师：小花狗在屋外――生：汪汪汪；师：小青蛙在水里――生：呱呱呱；师：小鸟在天空――生：喳喳喳。练习时还可以让学生模仿动物形象做一做相应的动作，这样就更加生动有趣。同时，发声练习不要和歌曲教学割裂开来，只有结合歌曲内容有机渗透，才能使得发声练习达到润物无声的效果。比如：执教《铃儿响叮当》一课时，老师可以拿出一盆腊梅花，走到学生们中间，让学生闻一闻腊梅花的香味，在闻花的同时有机地指导闻花的方法和气息的运用，这就为歌曲最后一句中第一个“好”字的准确切入打下基础。事实证明，这种训练发声的方法贴近了歌曲的意境，拉近了师生之间的距离，是非常有效的。
四、回归音乐本真，音乐课要重视音乐知识传授。
要提高学生的音乐素养，掌握必要的音乐知识非常重要，但因为音乐知识的枯燥性，教师们在教学时不知该如何切入，有时干脆避而不教，这其实是不合理的。我们应该把音乐知识的教学建立在实践基础上，在音乐实践中创设富有趣味的语境和情境，合理有机地渗透乐理知识，给每一个乐理知识赋予生命力，提高学生学习音乐知识的兴趣，提高音乐学习的课堂效率。我们还应该大胆地分析和运用，为学生更好地理解音乐、表现音乐奠定基础。比如：在聆听《忆江南》一课时，老师注重了对歌曲音乐要素的分析和渗透，而这些知识的获得，完全可以从引导学生观察乐句入手，让学生自己发现：鱼咬尾的作曲特点是前一乐句的最后一个音是后一乐句的第一个音，只有五个音的调式是五声调式，一个字上有几个音叫一字多音。由于是自己的发现，学生非常有成就感，在演绎歌曲时就显得如鱼得水，歌声非常美妙动听，而教师的作用在于进行专业的总结。这些音乐知识的教学让课堂上的音乐味更浓，也让学生的音乐能力日渐丰厚，这样日积月累的教学对提高学生的音乐素养有着极其重要的作用，也为今后开展一些小型的创编活动打下了基础。追求音乐的本真，还原音乐的本来面目，在扎扎实实的教学中实现师生生命体的共同发展。愿音乐这门艺术，带给学生审美的愉悦、情感的共鸣及心灵的净化，使他们成为热爱音乐、热爱艺术、热爱生活的人。
音乐学科论文范文简短篇二
音乐学科是一门很有趣的学科，它既能够陶冶情操也能够培养人的审美情趣。而作为学科的一份子，写论文是不可避免的。因此，近日我参加了一场音乐学科论文讲座，对此深感受益匪浅。在本文中，将结合此次讲座，谈谈我的体会与感受。
第二段：讲座内容的回顾。
这次讲座的主题是“论文写作中的要点和技巧”。在这个话题下，主讲人首先介绍了学术论文写作的一般规范与格式。对于音乐学科而言，他们强调了文章的创作灵感需要源于实际音乐性的体验，以及对作曲家或作品个性及历史的了解。其次，还讲到了如何准确概括研究问题，对研究方法进行深入分析，以及如何灵活应用各种研究方法。讲座在在讲解了如何注重细节和格式，合理引用和制作参考文献、注释等方面也十分到位。不仅如此，主讲人更是用多种实例生动浅显的描述了如何让自己的论文具有一定的研究价值与创新点。整个讲座内容涉及到写作的各个方面，受益匪浅。
第三段：我的体会。
通过讲座，我了解到了学术论文写作有许多细节要注意。既包括格式方面也包括内容方面，都需要严格遵守统一规范的要求。此外，在音乐学科中，写论文还需要注意与其他学科的区别及所具有的特殊性。比如，需要在文章中详细分析乐曲或作曲家的特点，要求文笔流畅、语言工整，语言精炼且不失深度。总体而言，音乐学科的论文写作难度较高，但是难度越大，越是需要努力去克服。
第四段：文章创意的重要性。
在讲座中，主讲人特别强调了文章创意的重要性。在我看来，文章创意不仅仅是一个好的研究问题，更是一个好的研究问题的独特呈现。在论文中，通过对创意的不断深化和发掘，能够有效提高论文的深度与广度。而创意的来源可能有多种，比如通过现有曲目的整合、对作曲家人生和社会背景的深入探究等等。这也就意味着，论文需要有一定的研究价值和创新性，才能够为音乐学科做出贡献。
第五段：总结。
通过本次讲座，我对音乐学科论文写作有了更为深入的认识。我认为，写好一篇论文，只有精益求精，贴近实际，注重细节方能成功。同时，需要不断探究和深化问题，尝试创新，才能提升论文的深度与广度。写好音乐学科论文还需要有较强的专业基础，不断拓展音乐知识面、提升文笔水平，才能完全把握论文创作的技巧与要点。最后，通过听讲座和自我总结，我会把自己对论文写作的体会和经验融入到实际创作中，共同提升自己的音乐学科论文写作能力。
音乐学科论文范文简短篇三
高校音乐教育专业目前是我国培养中小学音乐教师的主要渠道，担负着培养合格基础音乐师资的重任。然而大部分音乐教育专业毕业生教学实践能力低下，无法尽快融入中小学的音乐课堂在我国几乎是一个普遍现象。我国基础音乐教育的改革自20xx年《全日制义务教育音乐课程标准（实验稿）》颁布开始到20xx年《义务教育音乐课程标准》的再次颁布已经进行了整整十年，在这十年间基础音乐教育改革不断向纵深发展，广大中小学音乐教师转变着旧有的教育观念，不断吸收并采用科学的教学方法，教师的教学实践能力得到了大幅的提升。然而，当高校面临基础音乐教育的改革时却无法跟上时代的步伐，培养出来的学生无法适应基础音乐教育日新月异的变化，这不仅影响着高校音乐教育专业自身的生存与发展，也决定着基础音乐教育改革持续发展的生命力。虽然我们的一些高校已经意识到了这一点，但如何调整该专业的培养模式和教学体系，如何提高学生的教学实践能力，更好地为基础音乐教育服务，各高校还未能找到一个能够得到共识、推而广之的有效方法。因此，本文将探讨如何提高高校音乐教育专业学生的教学实践能力这一问题，希望能够对本专业的发展尽一番绵薄之力。笔者认为，要提高高校音乐教育专业学生的教学实践能力以下几点是非常重要的：
过去很长一段时间，高校音乐教育专业的人才培养模式主要参照专业音乐院校，过分注重学生专业知识和专业技能的培养，却很忽视学生教学实践能力的培养。然而高校音乐教育专业的主要培养方向是中小学音乐教师，是能够从事基础音乐教学或相关工作的复合型人才，而非从事音乐表演的专门人才，这一点和专业的音乐学院有很大的出入。因此，高校音乐教育专业首先应该以培养合格中小学音乐教师为基本点，追求的应是学生教学实践能力的提高，依靠的是专业知识与专业技能的广博，教学理论与技能的积累，而不仅仅是某一项专业技能的精深。这一观念目前在我国部分开设音乐教育专业的音乐院校的教学管理人员中有了一定的共识，然而以下两类人群思想的转变也将是高校音乐教育专业改革的关键。首先是教师思想的转变，高校音乐教育专业的教师多来自各专业音乐院校，他们对自己的专业有着美好的追求，然而他们大多对音乐教育专业的培养目标理解并不透彻。高校音乐教育专业的课程实行分科教学，各专业教师往往各自为政，教师只关心学生在本专业的学习，很少关注学生在各门专业知识与专业技能方面的融会贯通，更不会注意基础音乐教育与自己的专业有着怎样的联系。因此，只有各专业教师清晰地认识到音乐教育专业的培养目标，才有可能主动将自己的专业课教学与学生教学实践能力结合起来；其次是学生思想的转变，据笔者多年在高校音乐学院执教的经验来看，无论哪个专业的学生，他们多以展示自己的专业技能为荣，上得舞台或上过舞台成为他们津津乐道的事儿，因而多在专业技能的学习上花费功夫，然而他们忽视了自己的专业方向，殊不知，这样做的结果是专业技能比不过专业音乐院校的学生，教学技能也相当欠缺。因此，高校音乐教育专业的学生也应该清楚地意识到自己的专业方向，从而使自己在未来的竞争中立于不败之地。笔者建议在该专业学生进校之初便应该开设相应的课程或专题讲座培养他们的职业规划意识，并将这种意识贯穿于大学学习生活的始终，这样既使他们的学习有了动力，又不至于迷失了学习的方向。
目前音乐教育的专业课程可分为公共（通识）课程，专业课程，教师教育课程，教育实践的几个部分，除了基础的教育学、心理学之外，与学生教学实践能力息息相关的音乐教育类课程主要集中在专业基础（必修）课程或教师教育课程、教育实践中，大多在本科三、四年级开设。大多数高校目前只开设了一门必修的音乐教育课程，课程名称主要为音乐教学论、音乐教育学、学校音乐教育导论与教材教法等，有少部分院校开设了一门以上必修音乐教育课程，有的院校还开设了少则一门多则四五门的选修音乐教育课程，这些课程多为必修课程的扩展，如中外音乐教育史、音乐教育心理学等。随着基础音乐教育的改革和发展，高校音乐教育专业将越来越意识到音乐教育课程的重要性，增加音乐教育课程必将成为高校音乐教育专业改革的趋势。然而单纯数的增加并不意味着质的提高，怎样科学地调整课程结构，增加适用的音乐教育课程才是我们更应关注的问题。因此以下几点是值得我们思索的：一是音乐教育课程在音乐教育专业各类课程中是否真正占有核心地位，各音乐教育课程开设的时间是否贯穿于本专业大学四年的始终，该类课程是否真正受到教学管理人员、教师、学生的一致重视；二是音乐教育课程是否真正贯彻了“以学生教学实践能力为核心”的观念，如果开设的音乐教育类课程仅仅是数的增加，那只是增加了学生的负担，因此音乐教育课程必须紧紧地围绕胜任基础音乐教学的培养目标来，必须注重实用性，笔者建议可开设中小学音乐教材教法、中小学音乐课堂乐器演奏、中小学音乐课课例鉴赏等实用性课程，其目的就是提高学生的教学实践能力；三是音乐教育课程是否能够立足于本民族民间音乐文化，目前许多音乐教育类课程主要借鉴了国外一些知名的音乐教育思想（如奥尔夫、达尔克罗兹、柯达伊等），并辅以相应的教学实践活动，然而基于本民族民间音乐文化的教学方法却几乎没有，学生只能运用国外的音乐教学法对我国民间音乐素材的音乐作品进行教学设计，有时候未免牵强附会，因此笔者认为应该开设基于民族音乐文化的音乐教育课程。
高校音乐教育专业开设的专业课程大致可分为音乐技能类课程、音乐理论类课程、音乐教育类课程，每一类课程对于学生教学实践能力的建构都是必不可少的，如果这些课程各自为政、互不融合，那么效果是可想而知的，因此这些课程必须协同作战，才能达到1＋1＞2的效果。
对于音乐技能课程来说，首先要使学生明白学习音乐技能课程的目的，音乐教育专业学习音乐技能课程是以舞台表演为目的还是以当教师为目的，这个问题必须搞清楚。然而许多学生对这样一个显而易见的问题未弄明白，总是把他们所谓的专业摆在首位，忽视其他课程的学习，虽然大部分音乐教育专业都设置了主修课程，殊不知这仅是音乐教育专业一专多能的需要，而远不是上舞台当表演家的需要。而一些专业技能课的教师总是希望他们的学生在专业上有所发展，总是用专业院校的方法和标准来要求他们，以至于很多学生虽然唱了一些大型歌曲或歌剧选段，演唱简单的少儿歌曲时却束手无策，虽然演奏了一些较大型器乐曲，进行简单的儿歌弹唱却一筹莫展。正由于这些原因，许多音乐教育专业的学生技能上既达不到舞台表演的标准，又不知道怎样将自己的音乐技能与知识应用于音乐教学，缺乏音乐教学的实践操作能力。居于以上情况，音乐技能课程的教学除了技能技巧的学习之外，首先应培养学生的教师角色意识，这样学生在学习的过程中不仅学习了技能技巧，还会主动思考如何在学习的过程中找到教学规律，如何解决学习过程中的难题，如何将学习所得运用于中小学音乐课堂的教学实践。其次应开设一些与中小学音乐教学结合紧密的技能性课程，如自弹自唱、即兴配奏、儿歌表演唱、小型课堂乐器演奏等等，只有这样才能真正将学生的专业技能转化为中小学音乐课堂的教学能力。
对于音乐教育类课程来说，要提高学生的教学实践能力绝不可能单打独斗，要和音乐技能课程、音乐理论课程协同作战，要使学生认识到，只有将所学的音乐知识、音乐技能与音乐教育理论与教学技巧联系起来，才能真正提高自己的教学实践能力。此外音乐教育课程应改变教师单一说教的模式，开发各种实践形式，比如课例鉴赏、教案写作、中小学音乐课情境模拟、微格教学、说课实践等等，总之只有让学生亲身体验中小学音乐教学，才能提高学生的教学实践能力。
音乐学科论文范文简短篇四
高师音乐教育专业的舞蹈教学活动程序框架的构建，是舞蹈教学课型改革的重要内容。过去高师舞蹈教学主要是实践教学，或曰形体训练，多采用“传递——接受式”的“口传身授”模式进行教学。这种方法当期望学生在短时间掌握_定的知识时还比较可行，但舞蹈教师在任何教学内容上都运用这种模式，长此以往必然造成一种“满堂灌”的教学模式,这不仅形式单非常不利于学生的全面发展，也不利于提高教学质量和教学水平。在此提出“五种课型教学法”，即理论课、实践课、观摩课、、研讨课、创编课的设想，以上几种课型虽然都可以独立成_门课，但是各种课型之间却有着千丝万缕的关系。理论课为其它课程打下理论基础，实践课又能映证理论课学习的内容和提出的观点，有了正确的感性认识和理性认识，可以指导讨论和创编，观摩课为创编课提供素材，丰富所学知识等，各种课型所采取的教学方法也不尽相同。
各课型之间形成有机的联系，构成“思维链”，_堂有效的舞蹈课就应具备多样化的教学模式。首先，要有多元化的舞蹈教学活动，充分利用多种教学方式，主要使用知识传授与自我学习相结合、课堂实训与课外实践相结合的方式来进行多样化的教学活动。其次，要有多层次的教学方式，为了能够更好地体现出教学特色和实现教学目标，运用舞蹈作品分析、情景模拟等新颖的教学方法，形成教师现场授课与实习指导、开放型自我实践、引导性与探索性结合实践三个主要的层次。最后，要注重多重性的能力培养，要求我们的学生从基础知识、基本技能、综合技能操作和专业知识运用上与中小学音乐教师应具备的舞蹈素养需求接轨。
探究是人类认识世界的基本方式,舞蹈开放式教学更应注重发现问题——探究问题——解决问题的学习过程，关注学习过程中学生的情感体验、舞蹈实践，以及对舞蹈信息资料的分析整合、解决实际问题的能力和包括意志、毅力、信心、兴趣等在内的非智力因素，形象思维、抽象思维、逻辑思维在内的思维方式及创新精神的培养。这里的“体验——探究”式教学是指学生在教师的指导下，用研究的方法(或探究的方式主动地获取知识、应用知识和解决问题的一种学习活动，目的在于改变以教师为中心、以课堂为中心、以教材为中心、以模仿学习为主要途径的传统教学方法，使学生通过自主探究、合作学习增强创新意识和实践能力，它是适应素质教育与创新教育需要的_种新型舞蹈教学模式。
传统教学模式都是从教师如何去教这个角度来进行阐述，忽视了学生如何学这个问题。杜威的“反传统”教学模式，使人们认识到学生应当是学习的主体，由此开始了以“学”为主的教学模式的研究。现代教学模式的发展趋势是重视教学活动中学生的主体性，重视学生对教学的参与，根据教学的需要合理设计“教”与“学”的活动。这就需要更新教学方法，形成“教”与“学”的“链接”。
首先是舞蹈情境创设与生活实际链接。如在学习藏族民间舞踢踏动律时，让同学们找下楼梯时，膝盖放松、身体重心向下的律动，为的是他们在放松的状态下找到动作感觉。这时让他们想象:在楼上听到朋友在楼下呼喊，急急忙忙下楼梯时的膝盖颤动。这样通过把舞蹈动作放回曰常活动中去的启发式教学，打开学生的想象思维,提升学习效率、增加舞蹈表现力。同时学会观察生活，从生活中找到动作产生的源泉。这是学习舞蹈动律的有效方法。
其次是学生活动与教学相链接。教学中结合学生实际，创设有趣的活动，践行让学生玩中学、学中悟的教学理念,让学生真正体会到学习舞蹈的乐趣。如舞蹈元素中的步伐学习环节，在同学们学会步伐以后，可以引导学生设计不同的队列、操作的各个环节和参与者的配合的过程，在这个过程中培养学生编创和组织策划能力。
最后是知识内容与情感的链接。有诗云“言之不足，咏歌之，咏歌之不足，不知手之舞之，足之蹈之也”。这句诗把舞蹈作为人们情感表达的最高境界，抒情性是舞蹈的表现要素，也是把音乐中的情表于形的重要手段，舞蹈和音乐之间相辅相成的关系，使舞蹈动作与音乐作品相融合,如舞蹈基本训练采用歌曲作为伴奏，让学生学会用艺术加工过的肢体语言去诠释歌曲所表达的情感和意境，为表演打下基础。
美国心理学家布鲁纳认为：“在学校教育教学中，所有教学计划在很大程度上将依赖于为达到教学目标而采用的教学媒体。”在当代教学模式的研究中，越来越重视引进现代科学技术的新理论、新成果，教学条件的科学含量越来越高，教师们可以充分利用可提供的教学条件设计教学模式，教学的目的在于让学生了解、记住、掌握和运用知识。教育心理学则告诉我们：人们从听觉获得的知识能够记忆15%,从视觉获得的知识能够记忆25%,如果同时使用这两种传递知识的方式，就能够获得65%的知识。多媒体正是具备了这样的优势，它通过文字、图像、声音、动画等手段,把教学内容表现出来，再将这些内容有机组织、安排、结合在_起。在舞蹈教学过程中舞蹈的风格韵律、情感等内涵是教师很难用语言向同学们解释清楚的，而利用多媒体手段让直观、生动、形象的画面表现出的教学内容，给学生营造一个多视角、多方位的空间，充分调动其视觉、听觉等感官系统，使学生获得充分的感知，激发学习兴趣，加深理解与记忆。
音乐学科论文范文简短篇五
【】高等师范院校中的音乐教育专业以培养声乐教师为主，要求该专业毕业生不仅能唱，还要会教。虽然音乐教育专业在整个教学过程中贯穿“音乐教育”的特征，但是，过分注重专业化声乐演唱，忽视了音乐教育的重要性，与音乐教育不相适宜。本文分析了当前音乐教育的现状，探讨了如何让声乐教学更加符合现今的音乐教育专业。
【】声乐教学，培养目标，教学模式。
如今，音乐教育逐渐融入到素质教育中，社会对声乐教师的需求越来越多，要求也越来越高。高等师范学校中的音乐教育专业以培养声乐教师为主，声乐课教学不仅注重学生演唱能力的培养，更注重提高学生的综合素质，包括学生创新思维的培养、想象力的提高、视野的丰富，为培养合格的音乐教师服务。目前，高等师范院校培养的音乐教育专业毕业生会唱不会教，不能将自己所学的知识传授给他人，难以胜任工作，这说明我们的音乐教育存在着问题，不能适应社会的需要。因此，音乐教育专业必须更新教育理念，解决教学过程中遇到的问题，为满足社会的需求，各师范院校音乐教育专业需要就教育目标、课程设计、教学模式等进行改革。
音乐教育对创造性思维以及实践能力的培养具有重要的作用，是各阶段教育中必不可少的一部分。高等师范院校音乐教育专业的主要目标是培养音乐教师，为满足社会对音乐教育人才的需求，不仅要提高学生的专业能力，更要培养学生的教育意识，促进学生全面发展。首先，音乐教育专业的声乐课采取小课形式，一名教师对人数固定的学生进行教学。优点是水平高的教师，可以很快提高学生的声乐水平。但教师的教学能力各有差异，固定的教师教学使学生难兼采各家之长。另外，教学中学生没有足够的实践机会。其次，高等师范院校音乐教育专业不够重视声乐教学法，课程开设很少，大多是讲座，或是毕业前进行突击教学。该专业的教师大多没有学习过教学法，缺乏教学经验。另外，对教学法学习效果的检验，也只注重理论，没有考虑实践，致使学生无法学以致用。第三，声乐课除了要求课程的教学要严谨外，实践活动也是声乐教学必不可少的。在拥有扎实的理论知识和专业技巧的基础上，将理论知识和声乐技能运用到实践中去，找出问题并进行改进，在反复中提高自身的声乐水平，积累实践经验，这些经验也可以补充原有理论和技能的不足，促进综合发展。第四，声乐是一门综合性学科，集文学、舞蹈、音乐、戏剧等艺术素养和艺术技能于一体。因此，与以往其他学科的知识结构不同，声乐教师的知识结构必须完善，至少包括人文、音乐学基础理论和专业技能等三方面知识。声乐教师必须要有很高的人文素养。这指的是精神和道德方面的素质，是一种以人为本的精神，是人的内在本质，也是感受幸福和快乐的能力。教师的人文素养是其人文精神和在日常活动中体现出来的气质和修养，表现为对学生的尊重和对学生成长的关心，以及强烈的责任感和历史使命感。教师人文素养的核心是关心学生生存、促进学生发展，支撑和服务于该核心的是教师所具有的人文知识、精神和方法。声乐教师的技能代表其业务水平，包括资料的查阅、教学活动的设计、弹唱的示范、音乐知识的讲解、学生实践活动的指导和组织等，是其知识结构中不可替代的部分。技能表现为两个方面，一是外在的动作技能；二是内在的智能。在教学实践中，两种技能互相融合发挥作用。
所以，声乐教师不仅要具备技能技巧，还要有全面扎实的音乐理论知识，只有这样，才能适应声乐教学的发展。作为声乐教师，要有较高的音乐素养和专业技巧技能，同时，也要有丰富的理论知识，在理论上辅导学生，使学生知其然并知其所以然。如发音器官的特点、肺部与横膈膜等器官的特征、歌唱状态的调整、声域的区分、腔体共鸣与气息的关联、声音位置的高低以及演唱时的咬字吐字、音乐的表现力、声音的判断等。声乐教师的示范演唱要精准。示范演唱是最基本的教学方法，教师通过示范演唱向学生展示科学的歌唱方法，使学生在感性和理性上对所要学习的知识、技能技巧有一个正确、完整的概念。同时，可以感受和判断自己的演唱和训练正确与否。声乐是较为抽象的课程，教学中，教师要不断激发学生的想象力，使学生在模仿中了解自己的声音特点，掌握科学的发声方法，最终找到属于自己独特而优美的音色。声乐教师在教学过程中要用心聆听学生的演唱，对其出现的问题加以判断解决，如声乐位置的高低、腔体开合和情感的表达等。
第三，加强师生在课堂上的合作。在声乐课堂上，教师和学生应该“相交作用”，组成“学习共同体”。声乐教学要关注学生的个体需求，解放学生的表演天性。因此，满足学生的自我需求是声乐教学的出发点，让学生真正成为课堂的“主人”。在课堂这个“学习共同体”中，教师起着经验共享者和讨论协商者的作用。在这个共同体中，师生之间要互动与交流，师生参与，平等真诚对待，发挥合作精神，拉近师生之间的距离，达成教学目标和自我超越。否则，学生会对教师产生敬畏情绪，不愿意表露真实想法。合作中要注意两点，一是声乐教师仍是课堂教学的主体，必须理解和熟知课堂教学内容，同时要安排和设计好教学过程，深入浅出，将知识重点传授给学生，并能有针对性地解决学生存在的问题。二是课堂上要注意因材施教，每个学生都是一个不同于其他人的个体，他们对知识的掌握程度参差不齐，基础会因人而异，个人嗓音条件也不尽相同。所以，声乐教师在了解学生的基本情况之后，要采取适合的教学方法，制定有针对性的教学方案。
本文从课前教学的准备到课中的具体实施，从教学模式到教学方法，分析了目前声乐教学存在的弊端，并有针对性地提出了解决办法和方案，相信通过这些措施能给声乐教学带来一些启发。音乐教育专业的学生，在将来的教学过程中要灵活探索和运用各种教学法，渐渐发现和找到科学合理的教学模式。声乐教学改革还有漫长的道路要走，声乐教学的研究还要根据社会发展和需要做更深入的探讨。
[1]刘伟，王善虎，吕小允.高校学前教育专业声乐教学模式探析[j].宿州学院学报，20xx(5).
[2]张晓伟.试论高师音乐教育专业声乐教学改革与综合能力培养[j].参花(下)，20xx(4).
音乐学科论文范文简短篇六
对于基本的素质教育而言，音乐教育是一门较为基础的学科。从本质上来讲，素质教育和音乐教育的目的是一样的。在素质教育中充分体现音乐教育的作用，是现代社会的要求，更是时代的一种趋势，是培养全面发展高素质人才的需要。我国教委提出，在实施素质教育的时候，要把重点放在培养学生的实践能力和创新精神上，要从应试教育向素质教育转型，也要重视音乐教育从应试教育向素质教育的转变，这对于音乐教育的发展提供了一个很大的平台。本文以职业技术学校为例，阐述了音乐教育的本质，分析了音乐教育的最终目的，最后对素质教育中进行音乐教育提供了几点建议，具体内容如下：
生产力发展的一大成果就是音乐教育，音乐教育是在物质文明基础上建立的，是把音乐作为主要的对象来进行的教育教学活动。音乐教育是精神文明的一项重要内容，是传承社会文化的一种方式，同时也是对人的综合素质有提升作用的社会活动。音乐教育面向的是青少年和儿童，它对于一个国家的政治经济状况有着间接的反映作用，对统治阶级的主流思想意识起到了体现的作用。音乐教育是艺术教育中的一部分，它不单单对艺术美有展现的作用，并且还有审美教育的作用。所以说，音乐教育的本质就是对美的审判的学习，它是通过音乐来作为一种媒介而进行的审美教育。
素质教育在教学培养时会注重学生的思想道德素质的培养，德育素质指的就是青少年正确的爱国主义情感，正确的政治理念以及集体主力的思想观念、信念、道德理想和行为等。在对学生进行德育教育的时候，有很多种方式，但是音乐教育起到的作用是德育教育中不可忽视的一部分。对于学生的健康心理的发展来说，音乐教育能够起到一定的促进作用，它可以让学生学会审美，受到美的感染和熏陶，并且音乐也是能够表达并且激发感情的一种艺术，爱国之情、振奋之心等德育教育都能够通过好的歌曲来进行表达。此外，音乐教育还可以群体进行，让学生具有一定的集体意识，让他们意识到自己在集体中的责任和作用，体会到自身价值在群体中的实现，这样能够激发他们对集体活动的热情。
因为在高职院校内每一个学生的兴趣爱好和心智水平是不同的，所以说，我们对待所有的学生都应该因材施教，按照素质教育规定的相关内容来进行教学。我们可以把音乐教育的教学模式分层处理，第一层就是准确把握好音乐的相关节奏，要做到吐字和发音足够清晰，能够对不同的器乐作品和声乐进行辨别;第二层是能够表现作品的演奏、歌唱和视唱等，对合唱中音色、发音以及各种乐器都能够有所区分，用不同的标准来对学生进行教学测试，这样可以对学生的热情有所激发，引起学生对音乐的学习兴趣，从而使音乐教育得到发展，进一步推动素质教育的完善。
学校是学生学习和成长的一个地方，是为了学生发展各自的特长提供舞台的场所。所以说，青少年在进行文化课程的学习过程中，要利用好课余时间和节假日，加强自身的训练，培养自身对音乐的兴趣。比如说，在宿舍的时候，可以联合舍友一起创造舍歌，加入属于自己的一份创意，让学生和学生之间进行竞争，促进学生对于音乐教育的热爱。通过实践我们可以看出，这一方式能够有效提高学生对音乐的热爱。
通过人类社会的不断发展我们可以看出，音乐教育是对一个国家、一个民族、一个社会音乐素养和修养的体现，是一个国家、民族、社会的文明发展、文化修养、生活质量和精神风貌的体现。所以说，音乐教育对于人类的文明发展来说是非常重要的，音乐可以渗透到人的灵魂深处，让人们获得一种超越科学的启迪。素质教育中明确指出对艺术教育的重视，素质教育的实施也为学校的艺术教育发展提供了一个较为广阔的平台，音乐教育也开始了进一步的发展和完善，艺术教育开始面临着巨大的发展机遇和新的挑战。我们一定要抓住机遇，努力发展素质教育，让音乐教育发挥好它对于素质教育的作用，为社会培养更多的高素质人才，让音乐教育事业得到更好的发展。
音乐学科论文范文简短篇七
近些年来，随着国际化的脚步逐渐加快，我国越来越注重文化向国际发展的步伐。这虽然在一定程度上发扬、宣传了我国的本土文化。但是也在一定程度上造成了文化的缺失。这里所说的缺失是一种本土化的缺失。我国的文化走向其它国度的时候，都会为了与当地文化融合而做出一些适应性的改变。因此民族音乐文化本土化的工作似乎势在必行。如果本土化失败的话，那么我国民族音乐就会逐渐被其它音乐所取代，最终就会消失在历史的长河中，这个结果是我们国家文化不能够接受的。本文将简要地介绍这方面的内容。希望对大家有帮助。
一、研究民族音乐学本土化的意义。
我国是世界上闻名已久的文化古国，拥有五千年以上的文化历史，可谓是源远流长。因此，在我国有很多很有特色的文化遗产。其中，民族音乐学就是我国重要的文化遗产。但是，随着世界化进程的步伐不断加快，民族音乐学迎来了前所未有的危机。提倡中国民族音乐学本土化。给民族音乐重新注入民族文化特色，让民族音乐能够变得独特而且又很吸引人。进而增大民族音乐的影响力。让民族音乐走向世界，让世界了解中国的民族音乐学。总而言之，研究民族音乐本土化的意义就是在挽救这个不可再生的文化遗产。
二、民族音乐学本土化发展的时代背景。
上面我已经具体的介绍了民族音乐文化本土化研究的意义，下面就来分析一下我国民族音乐文化本土化的发展背景。这个背景建立在21世纪的中国。自从进入21世纪以后，我国经济实力逐渐增长。在国际上的地位越来越重要。那么如何实现与国际接轨就是一个主要的问题。其中如何实现文化的国际接轨又是一个重中之重的部分。在文化接轨这部分中，我们需要特别注意的就是怎么做才能够让中国的文化，源远流长，但又不失中国文化的特色。从目前来看，要想能够让中国民族音乐学融入到世界文化中且不是本身特色，办法只有一个，那就是实现中国民族音乐学的本土化，让中国民族音乐学熠熠生辉，远播世界各地。
三、我国现阶段民族音乐本土化发展的现状分析。
民族音乐学本土化，是近些年来在中国文化xxx门才被重视起来的，因此，发展程度并不那么高，有很多地方还在不断的改善中。下面，我就来具体分析一下现状。
(一)去音乐化的发展。
所谓的去音乐化的发展，指的就是在对民族音乐学本土化发展的研究中，忽略了民族音乐学的音乐这个根基，只是注重了民族音乐学中的民族特色。这就是所谓的去音乐化发展。那么这样做到底好不好呢?这样发展下去当然不好，试想一下，一个号称为民族音乐学的文化遗产，却并不包含音乐这个根基，那么是多么的名不副实。因此，在对民族音乐学本土化的过程中，不但不应该去音乐化，而且更应该注重民族音乐学中的音乐的研究，只有这样才能够让民族音乐学更具有魅力。
(二)忽视对民族意识的分析。
在民族音乐学本土化的这条进程中，我们总会走二个极端方向。上面那段说的民族音乐学去音乐化就是二个极端方向之一，而另一个则是忽略民族意识。这条道路具体含义是民族音乐在本土化的过程中过度重视了音乐这方面的发展，而或略了民族的意识。这样就使得民族音乐缺乏特色，与那些大众音乐没有了什么区别了。这条道路与第一条道路一样都是错误的，只有综合了二种道路的第三条道路才是正确的。
(三)民族音乐学发展缓慢。
过去的几十年里，民族音乐学也曾有过巅峰期。但是，因为世界的多元化，致使民族音乐学的发展受到了阻碍，再加上民族音乐学的特色越来越不吸引人，致使民族音乐学的发展历程十分缓慢，其中民族音乐学的本土化进程也是没有什么大的作为。
四、实现民族音乐学本土化的措施分析。
(一)明确民族音乐学的学科属性。
首先，要做的就是明确民族音乐学的学科属性。也就是说，要明确知道民族音乐学是属于音乐学还是一种历史文化学。只有明确了属性后，我们才能够对民族音乐学进行定位，从而更好地研究民族音乐学本土化的方案，进而增快民族音乐学本土化进程。
(二)加强民族音乐学的民族性。
所谓的民族音乐学，它最主要的根基就是民族性，而它与其他音乐的区别也是它自身独特的民族性。因此，在民族音乐学的本土化的过程中，必须加强民族音乐学的民族性建设，让它更具有魅力。
(三)在音乐中凸显民族风。
在对民族音乐本土化的过程总，要想能够成功的使得民族音乐转型。那么就必须想办法让民族音乐与民族风这个词联系起来。因为只有让民族音乐学具备了民族风，才能够算得上真正的本土化。
五、结语。
自从我国经济日新月异的发展，我国社会各个方面都在发生着变化。民族音乐因为具有民族的特色，因此一直都是我们国家重点保护的文化遗产。但是，由于外国音乐的加入，致使我国民族音乐学的本土化气息越来越弱。很多民族音乐甚至被影响得已经丧失了最根本的东西，不再具有民族特色了。因此，中国民族音乐学必须重视本土化，以民族特色为基础。
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音乐学科论文范文简短篇八
针对音乐毕业生就业难的问题，普通高师音乐教育专业毕业生要以社会需要为根本，把提高教学质量和教学效率放在首位，并通过自身的努力来促进就业。
由于毕业生实习是就业工作的前奏，是检验音乐理论与技能以及个人综合教学能力的试金石，所以，指导好实习教学，是学校把毕业生推向市场、提高就业率工作的重中之重。
1.高师音乐教育专业毕业生的实习现状。
（1）实习缺乏足够的时间；（2）实习缺乏全局性、系统性安排；（3）实习缺乏实质性的管理与指导。
2.高师音乐教育专业毕业生在实习中存在的突出问题。
（1）部分毕业生文化素质较低，艺术素养不高；（2）部分毕业生教学观念落后，方法陈旧、呆板，模式单一；（3）部分毕业生教学视角狭窄，缺乏音乐基础教育的观念；（4）部分毕业生的心理状态没有及时调整到位；（5）部分毕业生容易忽略与学生之间的相互评价。
目前，艺术课程改革使高师毕业生面临就业问题：一方面遭遇中小学师资紧缺的困境，另一方面却是高师培养出来的毕业生无法顺利就业。这一矛盾主要表现在以下几个方面：（1）高校扩招对就业形势影响较大；（2）就业率较高，但专业对口的较少；（3）择业观所造成不平衡性对就业造成较大影响。
1.树立正确的择业观，客观评价自我。
（1）坚持开展理想信念教育，树立正确的成才观和就业观。
首先，高师毕业生应树立“有奋斗，有贡献，才有发展”的观念。其次，学校应坚持开展主题教育活动，把理想信念教育贯穿于毕业培养全过程，引导他们树立正确的成才观和就业观，是实施就业引导工作的灵魂工程。
（2）珍惜眼前的就业机会，才能找到“适合”的工作。
首先，毕业生要认清严峻的就业形势，珍惜每个来之不易的就业机会。其次，毕业生要在普通的工作中寻找“适合”自己的岗位。
2.加强音乐基础知识与艺术素养的学习和培养，提高自身综合的素质，成为一专多能的“多面手”
3.增强职业责任感与角色认同感。
综上所述，高师音乐教育应进一步明确自身所担当的社会任务，以社会对中小学音乐教师的职业需求为杠杆，在不断发展的社会需求面前及时调整自己，这样才能使高师音乐教育专业的毕业生明确自身定位，注重知识的全面性、实用性，有效缩短师范生与中小学音乐教师两种角色之间的距离，更好地为社会服务。
音乐学科论文范文简短篇九
从思维的角度来看，人的思维分为逻辑思维和形象思维两类，二者不可分割。如果只重视期中的一种，就是不健全、不全面的思维，它可制约一个人素质的全面提高。钱学森说：“只注重逻辑思维，埋头于细节，易犯机械的、片面的毛病，缺乏整体的有机联系的认识。正因为受到了艺术方面的熏陶，才能够避免死心眼，避免机械唯物论，想问题能够更宽一点，活一点。”钱学森认为形象思维是取得科学成就的关键。爱因斯坦也说：“想像力比知识更重要，因为知识是有限的，而想像力概括着世界上的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。”
随着经济的快速发展以及经济全球化的进一步加深，人才之间的竞争也愈来愈白热化，社会对人才的培养在新形势下提出了新的更高的要求。集中体现在社会越来越需要以创新能力为重点的高素质的复合型国际化人才。具体到大学教育中来，就是要转变传统教育中单纯重视知识化、科学化的人才培养模式，强调科学与人文并重的高校教育模式。从素质教育的要求来看，大学教育除了关注专业教育以为，更应该贯彻“通识教育”的指导原则，在学生掌握基本的、必要的专业知识的基础上，还要广泛地认识和了解其它课程的知识，特别是艺术方面的知识。科学和艺术从一开始就存在着紧密的联系，就像一枚硬币的正反两面，互相配合、互相渗透，共同提高学生的综合素质，促进学生的全面发展。可以认为，高校只有加强艺术教育与专业教育的融合和拓展，同时提高二者的教育水平，才能培养出更多适应社会需求的、具备健全人格的、有着丰富创造力的高素质的全面发展的人才。
正如前面所说的那样，正是由于音乐与生俱来存在的特质，使得大学音乐教育在陶冶学生的情操、启发学生的创新能力、培养学生的思维发散能力等方面表现出其他专业学科不可取代的优势。新形势下，普通高等院校应强化创新创新意识，以提高学生的综合素质、促进学生的全面发展为己任，实现大学音乐教育与专业教育的融合和拓展。结合实践，笔者认为可以从以下几个方面着手：
（一）改变传统的教学观念。
大学音乐教育的创新改革以及与专业教育的融合和拓展，都必须以转变教学思想和理念为前提。一方面，普通高等院校应充分认识到大学音乐教育并不是简单设置一门音乐教程，而是要充分认识到其在育人方面的作用。另一方面，普通高等院校不能用专业音乐教育的眼光和要求来看待音乐教育，而使得音乐教育的发展偏离了素质教育的方向。再一方面，大学音乐教育应将学生的专业需求有效的纳入到教学体系中来，满足学生的专业诉求，充分发挥为专业教育服务的功能。
（二）调整和优化学科体系的建设。
随着我国高校教学创新改革的不断推进，大部分高校已经意识到艺术教育的重要性和必要性，普遍设置了与艺术相关的课程，各个大学音乐课程的设置率逐步上升，以及大学音乐社团、音乐比赛层出不穷，这都有助于创造良好的校园文化氛围和文化环境，但也存在着很多有待完善的地方。第一，将音乐课程设置为必修课，适当增加音乐课程的学分比例，同时应当对学生的专业教育课程、音乐教育课程的教学时间进行科学的分配，从根本上提高学生的音乐水平。第二，建立多样化的音乐课程。由于受各种主客观因素的影响，很多大学对学生的艺术选修课程都提出了明确的要求，即学生只能在音乐、绘画、舞蹈等艺术课程中选择一门。第三，高校要保证音乐课程的教学时间，采取科学合理的教学策略和灵活多样的教学方法，提高学生对音乐教学的兴趣，将音乐教育与学生的实际生活与学习紧密结合起来，不断促进与专业教育之间的融合和拓展。音乐是一种非语言和非具象的艺术，音乐的自由性、模糊性以及不确定性特点给学生理解音乐、感受音乐营造了更多想像的空间，对于培养学生的思维发散能力和创新能力无疑具有十分重要的意义。因此，大学音乐教育应当通过音乐课教学和音乐活动，提高学生的音乐修养，加强与专业教育的融合和拓展，促进其身心各方面和谐全面发展。
音乐学科论文范文简短篇十
摘要：随着我国高校扩招进度的不断扩招，高校毕业生就业压力逐年增大的大环境下，就业已成为我国重点需要解决的社会问题，虽然我国目前对就业环境进行了必要的调整，但毕竟“远水解不了近渴”，音乐专业毕业生就业问题仍然是备受关注的焦点之一，然而，面对社会对音乐型人才的就业要求需求不断增加的背景下，音乐专业毕业生又有哪些优势与劣势，与其他专业学生之间的竞争力如何，本文将就其做出详细分析并提供必要的就业建议与指导。
关键词：音乐毕业生就业竞争力。
毕业生就业问题一直以来都是社会关注的热点问题，而随着“艺术热”的产生，报考音乐专业的学生急剧增长，艺术生就业问题也随之凸显出来。客观的讲，我国目前处于社会主义发展阶段，音乐艺术文化也处于发展的初级阶段，所以，社会也并没有更多的岗位提供给刚刚毕业的大学生们，而这也是音乐专业毕业生在就业上比较被动与困难的原因。围绕这个问题笔者认为，既然客观因素无法改变，我们则更应该关注学生自身，从学生的角度出发，分析音乐专业毕业生的核心竞争力如何提高，才是解决问题的根本方法。本文将从当今的社会环境以及个人因素为出发点，着重探究音乐专业毕业生的就业竞争力之所在，并提供客观的指导与意见，为更多音乐专业的毕业生就业提供力所能及的帮助。
一、当前社会环境下就业形式分析。
（一）社会因素。
近年来我国教育改革不断深入，各大院校依然实行扩招的招生政策，从而导致了毕业生的急剧增长，在这个大环境下，“艺术热”也在不断发酵，盲目的为了升学而学习艺术的人数不断增多，直至今年为止也已经达到了饱和程度，再加之社会上提供的音乐专业岗位本来就非常有限，而这对于音乐专业毕业生来说，面对这些困难无疑是一个巨大的挑战，原本就业面就非常局限，再加之复杂的社会环境使得“就业难”的问题更加突出。
（二）个人因素。
二、音乐专业毕业生就业竞争力分析。
（一）专业性强而综合能力偏弱。
所谓就业竞争力可总结为三点：1.核心竞争力；2.基础竞争力；3.环境竞争力，而音乐专业的毕业生的核心竞争力为其主修的专业。主修专业课是音乐专业学生必修的科目，而主修科目的成绩也是评价一个学生能力重要依据，很多传统的教育观点认为：只要学好自己本专业的知识就可以提升就业的核心竞争力，这种观点也普遍存在于我国各大高校的教育体系。但对就业而言，更多的就业岗位则更注重的是一个人的综合实力即基础竞争力，所谓“基础竞争力”是取决于一个学生所拥有的知识、技能、经验以及素养等方面的综合实力，而这就和之前在高校培养的专业能力造成了相互的矛盾；毕业生在就业上则更多会选择对口的岗位进行就业，这便导致了专业内部竞争的压力增大，而被竞争出局的毕业生在从事综合性强的岗位上又无法胜任。所以，在传统授课的基础上，学校则更应该开设更多实用性课程从而提高学生的综合能力和就业竞争力；而学生方面则应转变思想，适当学习课外知识或职业课程以培养自身的基础竞争力。
（二）勤奋有余但创新能力不足。
若论学习的刻苦认真程度，音乐专业学生绝不输给文理专业的学生，甚至从某种程度上将比他们还要刻苦，因为音乐专业本来就需要长时间的练习才能够熟能生巧，很多乐器专业甚至一天在琴房练习八个小时，但这种刻苦的练习却很容易导致思维的禁锢，使创新能力渐渐的被繁琐的谱面知识所抹杀，而这便是就业的最大忌讳，很多用人单位在技巧、实力相当的情况下会选择思维较活跃、有创新潜力的求职者入职，这便是很多音乐专业毕业生的劣势所在，而创新能力并不是与生俱来的，也可以通过后期的培养所获得，这就要求音乐专业的学生在刻苦联系谱面的前提下，多思考，多创作，将固定的谱例演奏出自己的个性，或者试着总结出新颖的方法或理论，从而活跃自身的思维与创造能力。
三、音乐专业毕业生的就业建议与指导。
树立正确的就业观念，提升综合素质等，以及实践经验是决定就业成功率的关键所在，音乐专业毕业生有着其他专业所不能及的优势，但在个别地方如综合能力、创新能力方面与其他专业相比则相形见绌，而想要培养这些能力，将这些劣势化为优势，多进行艺术实践则是最好的途径之一，因为实践不仅可以培养能力，更可以积累社会经验，就如同教师这个职业是很多音乐专业毕业生从业的梦想，但不走进教室，大学所学习的那些零零碎碎的知识永远是独立的，无法发挥作用，也只有在课堂上，才能把这些知识相互融合，综合运用；并且，实践也可以进一步感受社会环境，能让学生深刻的体会如何沟通，如何团队协作，这些都是经验累积的过程，有了这些经验，我们就能够更从容的应对各种招聘与考试。
其次，个人就业观念的改变也非常重要，树立正确的就业观念能使就业变得非常轻松，其关键在于发现自身优势，认识自身的不足，并适当降低自身的预期目标，选择社会需要的、就业机会多的基层岗位进行就业，这样以来自身的优势便可以无限扩大，也能够在工作中慢慢弥补自身的不足，梦想的实现不是一蹴而就的，选择比自身预期目标低的工作不仅可以给自己缓冲，更重要的是可以脚踏实地的一步一步接近自己的梦想，这也是俗语所说的“先就业，再择业”。
四、结语。
综上所述，通过分析可以发现，音乐专业毕业生就业难的问题并不是单方面造成的，有社会、学校、环境的原因，也同时受着个人的因素的影响，社会方面的原因我们暂时是无法改变的，也只能通过学生自身理性的评估能力，调整状态，树立正确的就业观才能平静地对待就业，在此之上，我们除了加强专业知识以外，也应该有针对性的培养自身的综合能力，积极参加社会实践，多渠道的提升自己的就业竞争力，这样才能在就业中战胜对手、战胜自己。
参考文献：
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[4]王闻道，吴倩.促进艺术类毕业生就业的高校对策[j].中国大学生就业，，（07）.
音乐学科论文范文简短篇十一
随着社会的发展，科学技术的不断进步，经济全球化的背景下，出现以创造力为核心的创意文化产业。这一新兴产业，强调一种主体文化或文化因素依靠个人（团队）通过技术、创意和产业化的方式开发、营销知识产权的行业。创意经济迅速崛起，并席卷全球。中国创意文化产业在这种思潮的影响下也得到很大的发展，并以前所未有的规模和速度发展壮大。创意文化产业的快速发展，为音乐学专业毕业生的就业和创业提供了非常广阔的市场空间。学校通过积极开展广泛的创业教育，培养大学生自主创业的各方面知识，为以后学生成功创业铺平道路。
2.满足音乐学专业教育内在要求。
音乐学专业教育是培养文化创意人才的重要来源，在音乐学专业教育的过程中既要重视学生对音乐基础知识、基本技能掌握，也要对学生进行创新思维、创新能力的培养。创业本身就是对现实的超越，就是一种创新。任何真正获得成功演出作品只有依靠创新，才能不断得到提升和可持续性发展。通过全方位的创业教育，让学生不仅能领悟创新对于创业的重要性，也会激发学生自身创新意识，同时还能让学生从创业者成功的事例中得到激励和启发。并结合本专业的专业知识和技能通过社会实践，不断提高自身创新能力。
3.增加就业途径、缓解就业压力。
随着高校扩招，音乐学专业的招生人数也在不断递增，大学毕业生的人数远远超过传统的就业市场需求，传统的就业方向主要是基础教育。计划生育基本政策的推行多年，我国音乐基础教育的学生也逐年减少，音乐教育师资也逐年超编，传统的音乐教育人才需求趋向饱和，就业市场日渐萎缩。音乐学专业是一门专业性极强的学科，就业面相对较窄，就业压力也更大。通过开展创业教育，转变教育理念，改革音乐人才培养模式，培养和提高学生的社会适应能力，引导音乐学专业大学生积极创业，提升核心竞争力，缓解和解决就业压力。
二、音乐学专业创业教育中亟待解决的问题。
1.创业观念滞后、缺乏科学的创业理念。
中国的创业教育发展较晚、基础比较薄弱，而且大部分高校对创业教育在新形势下的教育体制改革战略意义认识不够充分，缺乏对有关学生创业教育的专项课题研究，对创业教育与素质教育区分点的认识比较模糊，导致在创业教育的课程设置上培养目标不明确，在教育教学过程中势必缺乏科学的、标准化的指导思想，学生得不到真正的创业方面的培训和提高。由于受传统观念影响，绝大多数毕业生毕业之后，喜欢去一些经济发达的大中型城市，认为市场前景广阔，以期待更大的发展。现实情况不容乐观，音乐学专业人才的市场需求已接近饱和，创业业机会越来越少，这就需要音乐学专业的毕业生要转变创业观念，适应社会需求。
2.学生创业综合素质匮乏。
大学生成功创业要具备科学合理的知识结构，目前高校音乐学专业的课程设置不够完善。音乐学专业的学习只要基础知识、实践技能方面的。在创业能力、创业素质方面的培养力度不够，没形成创业所需要的独有品质。毕业的音乐人才在虽然专业知识、专业技能方面学有所长，但知识结构相对单一。学生对社会、对市场、对产业、对经营都缺乏应有的了解，在创业过程中毫无头绪、到处碰壁，甚至导致创业失败。从近几年毕业生创业的反馈信息来分析，音乐学专业学生的创业素质不容乐观。受传统择业观的影响，学生大胆创业的意识不强，即使参加创业活动，往往是头脑发热、跟风创业，一旦遇到挫折，就缺乏长久坚持的创业意志。一些学生眼高手低，只到条件好的大中城市创业，不愿意到拥有广阔天地的乡镇基层创业，创业情感投入欠缺。这些充分显露出学生的创业知识层次和结构不完善，创业素养要不断加强。
3.创业教育课程设置不完善，学生创业实践缺乏。
创业教育课程的合理设置是创业教育的基础，也是创业教育实施的媒介，在国外有着较为完备的创业教育课程体系，中国高校将创业教育融入专业教学体系的课程设置还不普遍。在教学内容上缺乏具有社会主义特色的市场经济接轨的统一教材。在教育方法上以以校园为中心、教师为中心，忽视社会实践环节，忽略对学生自主能力的培养。学校的人才培养模式相对来说比较封闭，势必会影响学生的个性发展，与创业教育中提倡的创新能力的培养、冒险精神的培育还相差一段距离。音乐学专业是一门实践性、技能性很强的专业，在常规教学中要理论联系实践，以实践为主的教学理念。教学实习、校外实践演出等都只是专业实践，并不能让学生全方位地了解创业者在经营管理方面的知识。创业经验的缺乏使得学生对于自主创业缺乏评估、顾虑重重，缺乏开拓市场能力，对市场潜在风险的防范不够，在创业过程中把握不了方向，创业难以成功。
4.创业教育师资队伍薄弱。
高校的创业教育起步较晚，目前大多音乐学专业的创业教育由学校招生就业部门的科员及一部分音乐学专业教师担任创业教育课的工作。前者虽然直接在招生就业部门工作，了解就业市场的一些知识和信息，但毕竟也缺乏专业的创业教育学习，创业教育课也只能是就业指导课。不能把专业教育与创业教育很好地融会贯通，进行全方位的深度指导。后者由于传统学校管理中，限制在职教师开展第二职业，部分教师有一定的本专业的社会实践经验而非真正意义上的创业经验，创业教育也只是专业教育的的拓展。即具备的教学经验又有创业经验的创业师资比较缺乏，成为制约高校音乐学专业创业教育向深层次发展的瓶颈。
三、音乐学专业开展创业教育的策略。
1.营造校园创业氛围，培养学生创业意识。
四年的大学生活对学生性格和品质的形成具有潜移默化的作用，对学生今后的人生有着非常强大引导和激励作用。学校在常规的教育教学过程中，要千方百计营造良好的创业氛围，让学生不出校园就可以深刻地体会到浓厚的创业氛围，以培养学生的创业意识，激发创业热情。利用校园信息平台、广播站、宣传栏、展览馆等校园媒体积极宣传创业教育，使创业意识渐入人心。举办以围绕音乐学专业的模拟创业大赛，让学生通过模拟创业体验创业的酸甜苦辣。定期举办创业讲座，邀请音乐界创业的成功人士现身说法，给学生讲述创业经历和创业经验，引导和组织学生参加社会实践活动，以促进学生创业能力的提高。还可以在校园成立学生创业协会，邀请各个系部学生参加创业协会，并通过协会成员在各系部宣传创业教育，培养学生锐意进取、敢于创业的创业精神。
2.优化人才培养方案，更新教学内容。
音乐教育应重视并开展创业教育，将创业教育和专业教育融合在一起。优化创业教育的人才培养方案，促进课程设置改革和实践，培养学生合理的创业知识结构。提高学生创业综合素质，增强学生自主创业能力。把培养具有创业意识、创业精神、创业技能的教学计划和培养目标纳入到音乐人才培养方案中去，把培养创业型人才定为音乐学专业人才培养目标的重要组成部分，并且落实到人才培养的全过程。同时，围绕培养音乐创业人才的目标进行创业教育课程设置改革，在创业理论教学中增加创业理念、市场营销、财务管理、文化产业法律法规等知识的教学。通过创业案例进行讨论交流提升学生的创业意识，拓宽其思想认识。在实践教学中，组织学生到文化传播公司、音乐培训学校、地方演出市场、工商、税务部门等实地了解熟悉市场导向、创业政策、和法律法规等，为学生将来创业做好充足的思想准备。
3.组建科学合理的创业教育师资队伍。
培养出具有创业精神的音乐人才，需要一支专业素质高、创业知识、创业经验丰富的教学师资队伍。音乐学专业要想改变当前创业教育师资不足的现状，学校应积极创造各种条件，努力构建一支符合本校、本专业创业教育师资队伍。一方面，要加强对音乐学专业教师自身创业知识相关教育培训，选拔一批具有创业意识的青年教师到在创业教育走在前列的院校去调研学习。安排有创业潜力的青年教师到企业去兼职，鼓励专业教师直接参与到创业实践中去，并定期开展创业教育案例示范教学和研讨会。另一方面，可以从校外聘请创业成功人才作为特聘教授对创业的学生进行现场指导，现身说法，让学生熟悉创业过程中市场运作方式，从而提高创业成功率。
4.加大创业教育的资金投入，建立切实有效的运行保障机制。
在校学生虽然想创业敢创业，但缺乏创业所需要的环境和资金，这就使得一部分有自主创业意识的学生对创业望而却步。音乐学专业学生在创业活动开展的过程中资金就成了他们创业最大的障碍。学校应该积极筹措资金加大对创业教育的投入，建立创业综合实训基地，更新实验实训设备，拓展校企合作框架等，为音乐学专业学生创业提供必要的创业后续保障。此外，学校制定出台相应的激励保障措施，设立创业投资基金，成立创业教育协会，出台创业资助计划等。将创业教育纳入学校教育教学总体规划，保障创业教育可持续发展。随着“十二五”规划建设的圆满完成，“十三五”规划建设时代即将到来，“中国梦”的崛起，中国将进入崭新的时代。社会经济的发展越来越需要具有创新精神的创业人才。预示着创业市场大繁荣的到来，对音乐学专业的学生的创新能力提出了严峻的挑战。创业教育是一项系统性工程，需要充分综合社会优质资源，与时俱进，锐意进取，积极开展音乐学专业创业教育，不断推动高校创业教育前进。
音乐学科论文范文简短篇十二
在当前的音乐教育改革背景下,大连大学音乐教育专业声乐教学改革采取改变原有课程体系、改变教师声乐教学观念、改变学生学习方法、完善声乐教学条件等办法,旨在强化职业技能培训,培养高素质的师资人才。
声乐教学是以声乐演唱为主要内容的一种教育实践活动,是一门规律性极强的应用科学,也是高师音乐教育专业的一门重要技能学科。大连大学几年来积极进行声乐教学的系列改革,旨在进一步强化职业技能培训,培养高素质的师资人才。
长期以来,我国普通高校音乐教育专业声乐教学受专业音乐院校影响,教学观念、教学内容、教学方法、教学模式等都没有体现出自身特点。20xx年教育部制定的《全日制义务教育音乐课程标准》(以下简称《标准》)正式出台,强调以音乐审美体验为核心,使学习内容生动有趣、丰富多彩,有鲜明的时代感和民族性,重视音乐实践,提倡学科综合,鼓励音乐创造。
《标准》的提出不仅对我国音乐教育具有划时代的重要意义,而且对从事普通高校音乐教育专业声乐教学的广大教师提出了更高的要求。
大连大学音乐教育专业的培养目标是具有合格教学能力的音乐师资人才。
这就要求学生不仅具备完成课堂唱歌、欣赏、弹唱等内容的教学能力,还应具备讲授科学声乐理论知识的能力,掌握科学声乐教学方法。因此,声乐教学改革力图探索新颖的教学方法,更新教学内容,实施多样化教学,采用集体课、小组课、个别课相结合,艺术实践课、多媒体教学等多种教学手段相配套,以弥补一对一授课形式的不足,从而提高教学质量,促进教学的改革和发展。
1.大量扩招,生源质量下降。
随着国民教育的发展,对音乐师资的需求不断增多。新形势下,大连大学音乐教育专业声乐教学出现了许多新问题,扩招生素质偏低给声乐教学带来难度,旧有的教学及管理模式与新形势不适应。
2.专业能力不强,忽视师范素质培养。
大连大学音乐教育专业担负着为社会培养合格教师的重任。
“合格”已不再是高水平的专业知识和技能,而是新世纪所需要的综合素质和敬业精神,仅仅上好专业课已达不到新的教学目标。
3.过多注重技术训练,学生综合素质不强。
音乐教育专业声乐教学在关注技术训练的前提下,应加强相关学科的综合素质。声乐教学不仅要弘扬我国民族声乐文化艺术,还要关注世界多元文化;不仅要提高专业综合素质,还要加强相关学科的综合素质(特别是艺术类学科);要与文学、历史、民族、宗教、民俗等紧密联系,使学生的人文内涵更加丰富和鲜明。
4.声乐教学内容单一,参与教学研究活动能较低。
一直以来,大连大学音乐教育专业声乐教学课程基本延用传统的声乐表演专业设置,尽管增设一些特色课,但也存在随意性设置的现象。课程设置显然是不全面的、不适应时代发展要求的。经过改革后,确定了新的教学内容,更加突出了师范性。
1.社会经济文化等发展的需要。
随着改革开放不断深入,我国经济、政治、文化、教育等方面都有了发展与进步。无论在过去、现在还是将来,音乐教育对社会的影响都是非常重要的,人们需要多元文化的真、善、美来陶冶情操,提升精神境界,因而对声乐教学改革提出了新的要求。
2.全民素质教育的需要。
目前,我国教育模式更多倾向于理性素质的培养,但感性素质的培养更应得到重视。感性素质的培养只有通过艺术教育来实现,其中音乐教育起着重要作用。
3.高校新课程标准的需要。
新课标为大连大学声乐教学改革的发展创新提供了理论依据,使学校及学生真正认清自己专业的职能所在,并正确地规划设计,这是教好学好声乐,贯彻新课程标准的必要前提和重要手段。
1.声乐教学内容的改革与实施。大连大学在教学改革中,改变原有课程体系,强化各种演唱技巧及声乐基础理论学习。
新课程体系要求学生不但要加强声乐演唱的技能训练,还要学好声乐理论基础知识和声乐教学方法。学生不但要唱得好,还要懂得多、教得好。大连大学在教学改革中,采用理论与实践相结合的方法,首先加强音乐教育专业声乐教学的内容改革,加入声乐教学法的课程内容;加入声乐理论的课程内容;加强声乐教材的选编工作;加强音乐教育专业声乐教学的实践活动;加强音乐教育专业学生的舞台演出实践活动;积极开展教师声乐技能大赛;在确立声乐学习目标前提下,抓住发声训练与作品演唱,抓住声乐理论、声乐教学法,以及舞台表演、教学实习等环节,立案备课,有的放矢地实施教学。
2.改变教师的声乐教学观念。
专业声乐教学正处在高速发展和急剧变革的关键时期。一方面,高等教育对社会经济发展的先导性、全局性作用日益突出;另一方面,市场经济体制也日益深刻地影响着高等教育事业的发展。在这种状况下,培养专业音乐人才,切实提高教师声乐教学观也成为必要的趋势。
音乐学科论文范文简短篇十三
音乐学科是一门充满灵性与艺术的学科，而在音乐学科中，论文的写作占有非常重要的地位。为了让我们更好地了解音乐学科论文该如何写作，近日，学校举办了一场音乐学科论文讲座。在此次讲座中，我受益匪浅，深刻认识到音乐学科论文写作的重要性。下文将分享我对于此次讲座的心得体会。
第二段：学术价值的认识。
在学习音乐学科论文时，我们可以深刻地认识到它的学术价值。论文的撰写不仅能够加深我们对音乐学科的理解，还可以让我们进一步地挖掘、学习和应用音乐知识。因此，写好音乐学科论文是非常重要的。我们要高度重视选题、文献综述、思路结构等方面的问题，这些都是论文成败的关键因素。
第三段：科研方法的掌握。
在这次讲座中，我还学到了许多有关音乐学科论文撰写的科研方法。老师们告诉我们在撰写论文时，要结合自身实际情况，找到自己的研究问题，并加强理论分析和实践结合，提高论文的学术价值。我们还需要在阅读文献时，进行仔细分析和筛选，寻找与自己研究对象相关的文献，这不仅有助于研究论文的深入，也能使我们了解最新的研究动态。
第四段：表达能力的提高。
论文写作对于我们的表达能力，特别是语言表达能力，也有着重要的培养作用。在论文写作中，内容不仅需要全面、准确，而且也需要言之有物，通俗易懂，这样读者才能更好地理解你的观点。因此，我们需要多思考、多总结，增强表达能力，提高文章风格，以期得到更好的评分。
第五段：结语。
在此次学习中，我深刻认识到了音乐学科论文写作的重要性，掌握了科研方法，提高了表达能力，这极大地启发了我的学习和写作姿态。相信在今后的学习与工作中，我会一直坚持这些学习方法，并不断进步。同时，也期待着越来越多的同学加入到音乐学科论文写作中，并共同为音乐学科事业做出更大贡献。
音乐学科论文范文简短篇十四
：文章用全新的视角详细的描述了舒曼不同寻常的人生、精神方面的疾病以及情感上的经历，力图还原舒曼的性格特点，靠近他的精神世界，透过其作品中所透露的各种幻想与分裂让读者能更深层次的了解舒曼的独特的作曲风格和他钢琴作品中的内涵，从多个角度兼具理智与情感的观点来分析舒曼的钢琴作品。
：舒曼；精神分裂；幻想与浪漫；钢琴作品。
罗伯特·亚历山大·舒曼（robertschumann1810~1856）生于德国茨维考城，是我们熟知的作曲家、音乐评论家和钢琴家。也是19世纪浪漫主义艺术最卓越的代表之一。他自幼学习钢琴，7岁便开始作曲，16岁时勉强遂母意进入莱比锡大学学习法律。1829年舒曼拜克拉拉的父亲克拉拉·维克为钢琴老师开始系统学习钢琴和作曲。1830年舒曼在法兰克福听了一场帕格尼尼的小提琴演奏会后受到了极大的震憾，毅然决定放弃对法律的学习，开始专攻音乐。1834年舒曼创办了一份虽然业余但却新颖的音乐刊物《新音乐杂志》，这本激进的音乐评论杂志逐渐在当时成为左右乐坛主流价值的刊物。而舒曼也成为当时高举浪漫主义旗帜的精神代表之一。在那人才辈出的时代，肖邦、李斯特、瓦格纳、威尔第、门德尔松等等可谓百家齐放。可为什么舒曼的音乐能脱颖而出，流芳后世呢？这当然离不开作品所蕴含的深刻内容和思想。他的许多钢琴作品都记录着他的个人生活经历，似乎更像是他个人的日记和自传。所以要想全面的了解他的作品仅仅从写作手法上分析是很浅显的，只能更加深入的了解他的生活和精神状态才能够明白他所幻想的那个音乐中的世界。本文将从他的分裂的人生讲起，细细挖掘他钢琴作品中独有的与众不同的内涵与风格。
舒曼是浪漫主义时期的一个伟大的音乐家，他的许多钢琴作品都充满着“浪漫”、“爱情”与“幻想”.但又并不仅仅局限于此，他的作品既有文学内涵又有哲学内涵，充满各种光怪陆离的幻觉，又摆脱不了那如影随形的阴影。对他人生的评说毁誉参半，甚至充满了各种不实的流言和传说。他是天才、疯子、艺术家，也是一个拥有七情六欲的凡人。对于后世的我们而言将一个作曲家捧上神坛还是贬入地狱都是不客观不理智的。现如今我们只能从那遗留下来的文字，日记等等去考寻并尽可能的还原他的人生经历和精神世界，只有这样才能更加靠近他音乐的真谛。
舒曼的许多钢琴作品中都用到了“幻想”二字，他自己也曾经说过：“但愿在法则的链条上永远绕着幻想的银线”.如著名的《幻想曲集》、《c大调幻想曲》等。他这“梦幻”的作曲风格大约来源于他“如梦似幻”的人生：
1.精神异常的艺术家。
舒曼家族可以说是充满了波折与不幸，就他本身的精神病症而言，部分原因应该来自于家族的先天遗传。1825年舒曼15岁时他的姐姐艾米莉因为“日渐痴呆妄想而崩溃”,投河自杀。同一年，他开书店的父亲过世。两位至亲的突然离世对少年的他是沉重的打击。他开始性情大变，忧郁而敏感并且不爱说话。在此之后的几年，他先后经历了手指受伤无法继续演奏钢琴，患上疟疾却死里逃生等事件。舒曼开始严重的神经衰弱，从23岁起便会经常性的头痛，失眠，甚至到不省人事的地步。1928年5月他的精神病第一次发作，那年10月17日夜里，他曾企图跳楼自杀。1833年他的哥哥和嫂子因病离世。1836年他的母亲去世，1839年他的大哥自杀。1850年他已经开始感到精神涣散，无法集中注意力工作，中午会感到十分焦虑并且疲惫。到了1852年他连克拉拉交代的日常琐事--遛狗，都感到力不从心。克拉拉说舒曼“说话困难，并且会抽搐”.他经常出现幻觉，看到像巴赫、门德尔松、舒伯特等作曲家来到他的床前，提示他很多旋律。他开始有麻痹性痴呆的症状，两手不听使唤，笔迹已经无法辨认，也无法拿住指挥棒。1853年2月，他听到天使在跟他说话，到了晚上又变成魔鬼说他是罪人，要他下地狱。2月26日，舒曼请求克拉拉将他送到精神病院，他趁克拉拉与医生说话的空档，独自在大雨中跑出门去，幻想自己是条小鱼，跳进了莱茵河。1854年3月4日，舒曼最终还是被送进了精神病院，舒曼整夜的狂暴，咆哮，还殴打护理员，而当时在精神病方面的治疗其实是非常落后的。他并没有得到过真正意义上的治疗，而只是被关起来并与亲人隔离。最后医生为了治疗他，将其头骨上挖了一个小洞，并放上一些盐，据说这样就可以看见里面坏掉的东西。7月27日克拉拉与他见了最后一面，而他已经无法说出话了。1854年7月29日舒曼死在了波恩的精神病院。
2.是疯子还是天才。
如果在现代，舒曼可以得到很系统科学的治疗，他的病应该能够控制，但不幸的是他生活在19世纪的欧洲。那时对精神病甚至完全没有科学的认识和治疗手段。精神方面的病症除了遗传缺陷还有心理因素、环境因素、成长因素等等，有许多人认为舒曼的精神病是由于年轻时染上的xxx所致，但这个说法并没有被医学所证实。他的一生几乎都伴随着精神的异常，却写出了伟大的作品，这值得深入的研究。许多精神病的人的确一点都不笨甚至非常的聪明。所以有很多人认为天才和疯子只在一线之间。对于这个说法抱有最大信念的人要算是著名的意大利精神病学家塞拉·隆布罗索（casarelombroso）了，他写了整整一部专着《天才的人》，来详细论证“极端聪明的人都是极端癫狂的”.牛津大学实验心理学系的戈登。克拉里奇教授说：“许多文献资料表明，天才与疯狂二者间存在关联。极富创造力的人往往具有与众不同的思维方式，与精神病患者的认知方式类似。”约翰。霍普金斯大学的精神病学教授凯。贾米森发现：较之普通人群，作家和艺术家中的躁狂抑郁症患者和具有躁郁型气质的人更多。许多艺术家似乎精神都有些不太正常。伦勃朗以后荷兰最伟大的画家文森特·凡·高同样因精神病而自杀。凡·高明白自己的精神疾患，但他却把这病看成是他的绘画艺术所不可缺少的部分。还有长长的豪华阵容也在“疯子”这一名单里：米开朗其罗、罗丹、蒙克、xxx、布拉格、达利、马蒂斯、徐渭、唐寅、八大山人·····世间唯有人的精神世界是最让人琢磨不透的东西，几百年前的艺术家如何能留下突破前人并且划时代的作品，并能在几百年后依然让作品引领潮流，这种预见性和超时代性恐怕只有相当敏感、敏锐、眼光独到、思想标新立异的人才能做到，对于我们来说，到底是太“正常”了还是太“肤浅”了？从这个意义上来说，舒曼的精神方面的缺陷对于他的艺术创作来说不知是一件好事还是坏事。
3.“浪漫”到极致的人。
伴随舒曼一生的是他比连续剧还精彩的感情生活，他年轻时代相当风流，中学时代就已经养成喝酒xxx的习惯。《第二奏鸣曲》来自于他和菲克特夫人的地下情，而与女钢琴家累德罗的恋情还让他写出了《幻想曲集》。他的日记里有很多寻欢作乐的真实记载。因此他也染上了xxx。在跟女学生克里斯蒂分手之后，1833年舒曼开始爱上了14岁的克拉拉。克拉拉为了跟舒曼结婚不惜和父亲断绝了关系并且对薄公堂。最终克拉拉的父亲被判入狱半个月。舒曼的所有钢琴作品几乎都是在他和克拉拉结婚之前创作和出版的，特别是1830年到1840年之间的十年，爱情给了他全新的力量。1840年他们终于成功结婚，婚后克拉拉确实完全改变了舒曼，让他一度走出抑郁和分裂的生活，而这一时期也是他创作的最高峰，在1840年这一年他就写了一百多首艺术歌曲和三套故事音乐。他的许多钢琴作品都围绕着与克拉拉的爱恋，有克拉拉的影子。比如《c大调幻想曲》、《大卫同盟舞曲集》等等处处可见克拉拉动机和克拉拉格式。舒曼的美学思想极其重视“情感”在音乐中的作用，所以和他丰富的情感生活一样，他的作品所展现的也是炽烈的情感、诗意般的旋律以及梦幻的神秘仙境。应该说他钢琴作品中的许多幻想成分不但来源于他的精神分裂也来源于他多姿多彩的感情经历。
上文详细论述了舒曼异常的成长经历、独特的个性、还有精神和感情上的风波，林林总总从他的一生似乎看到了他作品风格形成的诸多因素。他的绝大多作品是他生活的缩影，而其中尤以钢琴作品为代表。下面特别分析一下他的钢琴作品的与众不同的特点和内涵，从而更加深刻的体会舒曼作品中所蕴含的难以言说的哲理与美感。
1.分裂的音乐形象。
钢琴家克劳迪奥。阿劳曾说：“舒曼是一个道地纯粹的浪漫派。他的音乐有高度的紧张，有极端的感情，暴露出性格分裂的全部症状。”当我们在聆听或演奏舒曼作品的时候经常感到强留的对比，头脑中似乎有两个甚至多个不同的形象在对话，他们时而欢乐，时而激烈冲突，这造成了作品强烈的对比和音乐色彩的不断变化，让人们既痴迷于这神秘的音乐又似乎很难真正去理解它。这大约和他分裂的精神状态与多重性格密切相关。1834年舒曼自己成立了一个“大卫同盟”,以佛罗雷斯坦和约瑟比乌斯作为笔名，声称此两人代表了他性格的两面。佛雷斯坦是贝多芬的歌剧《佛德里奥》中男主人公的名字。他性格热情尖锐，态度直率冲动甚至有些放荡不羁。而约瑟比乌斯则文雅沉静，是一个富于幻想的诗人。这种多重性格的特征一方面来源于他的精神分裂，另一方面也包含着他对事物的看法和他的音乐美学观。他认为人性是万分复杂的，任何人心中都寄宿着不同的灵魂。在他的钢琴乐曲中到处都能看到这两种不同性格的交织，这些分裂的音乐形象是了解其作品的重要的线索。
比如舒曼的钢琴曲集《大卫同盟者舞曲》，全曲共18个小品。乐曲开头的动机用得是克拉拉的作品op5·6.舒曼在每一首小品的后面都标记了“f”或是“e”,用以表示该曲的基调，字母分别代表着佛雷斯坦，和约瑟比乌斯。其中有四首因为同时具有两种性格而被同时标上了“e”和“f”.在乐曲开头，舒曼引用了一段古老的格言作为题词，其大意是：“快乐总是与悲伤相伴而生。在快乐中，保持一颗虔诚之心，并勇敢地准备好承受痛苦。”类似这样的作曲形式舒曼不只一次用在他的钢琴作品中，这在当时独树一帜，他的钢琴作品也总是变幻莫测，难以琢磨，充满了幻想色彩。
2.幻想之外的现实。
就像文章开头所说如果仅仅认为舒曼的作品只有浪漫的爱情与天马行空的各种幻想，复杂的和声和绚丽的技巧等，那对他的作品就只能说是一知半解。他虽然是个彻头彻尾的浪漫主义者，精神分裂症患者，可就像他在《新音乐》杂志发表的各种文章所说，他是反对将音乐和现实生活完全割裂开来的，他认为只谈音乐的人永远都是荒谬可笑的。他妄图追求作品更深的文学内涵与哲学内涵；他想要打破原有的模式，做音乐的创新者和革命者；他更重视乐曲本身的思想性，想要将理智与情感完美的结合起来，在分裂中寻找统一，在统一中又展现出不同侧面的特质。舒曼的追求不单单在音乐本身而包含了文学、美学，哲学等范畴。他希望将音乐提升到一个新的层次。
比如他的钢琴作品《狂欢节》其中就充满了对旧音乐的各种批判，和他发展新艺术的决心，其中的第21首《大卫同盟进攻凡夫俗子的进行曲》讲的就是那些他所认为的凡夫俗子在大卫同盟盟员的进攻下最终被打败的事。舒曼自比做“大卫”,而把那些守旧的陈腐家伙们称为“菲利士人”,这是借圣经旧约的典故--大卫与异xxx菲利士人作战，最终用石块击倒了巨人果利提亚。当时这不仅仅标志着一种崭新的“浪漫主义钢琴曲”的出现，更表现出舒曼在艺术方面勇于革新的批判精神。
舒曼推崇艺术中的真善美的统一，他勇于探索将文学与诗歌完美结合，比如他的钢琴套曲《蝴蝶》就是根据德国小说家让·比尔的小说《妄自尊大》中的《假面舞会》的题材而创作的。十二首小品精密的排列，像是蝴蝶慢慢从幼虫进化到蝴蝶的过程。而德文的“幼虫”和“假面”是同一个词语，这让这首乐曲拥有了双重寓意，而他这种在作品中使用暗语和标题来表达自己思想的形式，几乎在每首钢琴作品中都能够发现，所以他更像是一个侦探，留下了暗号让后人去猜测和品味。这些钢琴作品让他的作品在幻想之余更多了些诗意和哲理，严密的作曲结构，复杂的写作手段，具有内涵的作曲动机，富有前瞻性的作曲形式，深厚的文学诗歌底蕴、深奥的哲学思想等等让舒曼看上去再正常不过了，就像他的法律出身一样，严密而有逻辑，有文化确不肤浅。丝毫不像是一个单纯的精神分裂者所能达到的境界。只能用天才二字来形容。内心的矛盾挣扎，时而清醒时而分裂的生活，都让舒曼的作品在情感与理智上达到了高度的统一，也形成了他自己独有的风格。
舒曼在46岁最终还是败给了精神分裂症，对后世的人们而言，一个如此有天赋的音乐家却以精神病院作为自己最后的归宿只叫人唏嘘不已。至今他丰富的音乐作品、艺术评论、生活日记、情感八卦依然被人们津津乐道。无数关于他的作品分析、情感揭秘依然充斥着各类书籍报刊，其中真真假假已经没有人再能够对证。就像武则天留下的那块无字碑一样，任由人们评说吧。反正依然有一个又一个的人被他的音乐所吸引，跟随他走进那如梦似幻的理想中的世界。
[1][德]古·扬森编.[德]罗伯特舒曼着.舒曼论音乐与音乐家[c].北京:人民音乐出版社,1960(6).
[2]林逸聪.音乐圣经[m]北京:华夏出版社,2000(1).
[3]毛绍纲.音乐家的桃色风暴[m]北京:中国旅游出版社,(7).
[4]方之文.舒曼:诗的音乐,音乐的诗[m]北京:人民音乐出版社,1998(10).
[5]周薇.西方钢琴艺术史[m]上海音乐出版社,(2).
音乐学科论文范文简短篇十五
【内容提要】：民族音乐的重要性；民族音乐学在世界范围内的形成与发展；民族音乐学在中国的形成与发展。
中国的民族音乐是世界民族音乐之林中的一棵古老而长青的参天大树，是我们华夏子孙的骄傲。它以丰富璀璨的繁花硕果，深广久远的历史传统，独特而多样的色彩风貌，巍然挺立于世界的东方。中国的民族音乐是当今世界上溯源最久远而又长流不绝的东方古老音乐，它渗透在社会文化的各个领域、各个方面。民族音乐学是音乐下属的一门音乐理论学科，在未使用这一名称之前，它曾被广泛地称为“比较音乐学”，至本世纪50年代初，作为学科名称的“比较音乐学”开始被“民族音乐学”替代。“民族音乐学”是一个复合词语，它是由“民族学”和“音乐学”两个概念复合而成。
1、民族音乐学在世界范围内的形成与发展。
民族音乐学在本世纪50年代前称“比较音乐学”，比较音乐学作为一门年轻的音乐理论学科，大约萌芽于18世纪中叶，它的产生与发展，与欧洲殖民主义的兴起和扩张有关。从字面来理解，它似乎是一种将“比较研究的方法”作为学科研究基本手段的音乐理论。以18世纪为开端，欧洲发达国家的人类学家、历史学家、和文化学家们首先向外部世界开启了这些非欧洲国家民族的传统文化之门。他们感受到异国的新奇的音乐文化，并极力想把这些音乐传统的，不为欧洲人鲜见的音乐文化模式公诸于众。18世纪末叶，他们之中的部分学者对所到地区的音乐开始进行音乐性质的考察和资料搜集。调查者本身带有“西方音乐中心论”的文化偏见，因此，调查的内容很肤浅，但是也有一部分著作例外。如：比利时作曲家，音乐学费蒂斯，在他的著作《音乐通史》中，就较公证的和客观的论及了中国、日本和印度等非欧洲国家及其有关民族的传统音乐。
19世纪，英国和法国大肆对东方进行军事侵略和殖民扩张，英法两国对东方音乐的研究也随之发展起来。其中较为重要的著作有基泽维特发表的《阿拉伯音乐的起源说》等。由于没有音乐学家到他所研究的地区进行实地调查，欧洲人对非欧洲民族音乐的描述和分析都带有很强的主观色彩。因此，这些研究还不能构成一个学科。19世纪中期，这一“低劣”“肤浅”的比较音乐学研究状况开始出现明显的转机，首先提到的是英国语言学家埃利斯，在他一部很有影响的著作《论诸民族的音阶》，才是在真正理解、认识非欧洲音乐的道路上跨出了第一步，从而向当时开始滋长起来的欧洲音乐中心论发起了第一次冲击，它为后来比较音乐学的迅速发展，奠定了科学的方法论基础。“比较音乐学”的提出是由奥地利音乐学家阿德勒在《音乐学季刊》提出了把“历史音乐学”和所谓“体系音乐学”加以区别的构想，并把非西方音乐文化的研究列入“体系音乐学”的范围。他认为这是一门“根据民族志和民俗志进行比较研究”的学科。当时，阿氏把这门学科称为“音乐学”，就是后来说的比较音乐学。从1885年第二次世界大战之前，比较音乐学有了很大的发展。德国的音乐学家施通普夫于1902年在柏林大学建立了研究室，之后与在研究室工作学习的萨克斯等人形成了比较音乐学的柏林学派。
柏林学派的音乐学家们站在欧洲音乐文化的立场上进行音乐形态的比较，认为欧洲音乐文化的形态高于其他地区的音乐文化。导致学术研究的绝对性、武断性。但是，柏林学派也有它的优点，这一学派通过欧洲音乐和非欧洲音乐的相互比较，打破了音乐学历来只重视研究欧洲音乐的局限，从而强调了音乐学研究的全面性、完整性和科学性，它所起到的历史作用是不可磨灭的。鲍亚士学派又称历史学派或批评学派，当时是既反对进化论又反对传播论的一个新的民族学学派。此学派主张文化相对论，认为世界上各种文化是一律平等的，没有优劣之分。人们不应当用自己的一套标准去衡量其他民族的文化。这一学派认为每一种文化都具有独特的性质和各自的价值。这些思想对后来的民族音乐学的建立有很大的影响。美国学派和柏林学派相互融合，同时，音响和录音及其摄影技术的进步，对民族音乐学的发展有很大的促进作用。20世纪60年代末，美国民族音乐学界兴起了以结构主义—符号学为分析模式的潮流。它源自结构主义语言学，而语言学的结构主义学派有瑞士音乐学家索绪尔所创立。20世纪50年代末，法国人类学家借鉴结构主义语言学的理论，开创了结构人类学派。20世纪80年代以来，由于高科技的兴起，信息技术的革命，西方世界进入了后工业阶段，西方文化也随之进入了后现代时期。这一时期在文化方面的特点是：消解中心，复苏边缘，反对同一，追求多元。最引人注目的是对西方文化霸权主义的批评和马克思主义思潮的兴起。在东欧，巴托克的《匈牙利民歌》，柯达伊的《论匈牙利民间音乐》是东欧国家比较音乐学的代表著作，为这一音乐学科的发展筑造了一块块坚实的科学基石。在东亚，中国音乐学家、音乐活动家王光祈，最先系统的采用比较音乐学的方法，首开了东方比较音乐学之先河。日本音乐学中的比较音乐学亦开始苏醒，音乐学家田边尚雄作为日本比较音乐学的先驱者，于1936年创立了“东洋音乐学会”，为日本比较音乐学的兴起准备了早期条件。本世纪五十年代后，虽然“民族音乐学”以被多数国家的音乐学学者们公认，从而取代了以往的“比较音乐学”名称，但是，“比较研究”作为一种不可取代的音乐学研究方法，保留在民族音乐学的总体研究方法系列之中，并在比较研究的对象、范围和目的方法比以往任何时代都开放和多样。80年代后半期，民族音乐学家们开始批评西方思想体系和欧洲音乐文化中心论，反对音乐文化的全球同一化，强调各种音乐自身的特点。从那时到现在，以下课题成为西方民族音乐学研究的热门话题：音乐的认同作用；他者的音乐文化；音乐传统的变化；音乐工业与大众媒体；城市民族音乐学和流行音乐；不同音乐的商业销售额，不同题材音乐作品在不同阶层中流通的比较和如何通过音乐建立人际关系等不同的问题；民族音乐学在音乐教育中的运用。
2、民族音乐学在中国的形成与发展。
音乐学科论文范文简短篇十六
内容摘要：音乐教学需要情感的投入，因此，必须营造宽松愉悦的氛围，而善于为学生营造宽松、愉快的成长环境，甚至比学识是否渊博更为重要，童心就像一张白纸，有待于我们去描绘，童心又像羽翼未丰的小鸟，有待我们去哺育。因为教师与学生相互以心灵感受心灵，以感情赢得感情。
关键词：信心激趣爱心鼓励用心启迪。
音乐教学需要情感的投入，因此，必须营造宽松愉悦的氛围，而善于为学生营造宽松、愉快的成长环境，甚至比学识是否渊博更为重要，童心就像一张白纸，有待于我们去描绘，童心又像羽翼未丰的小鸟，有待我们去哺育。因为教师与学生相互以心灵感受心灵，以感情赢得感情。下面，我就谈一谈自己在这方面的一点体会：
音乐课的内容是丰富多彩的，它的最大特点就是通过艺术活动来调动人的兴趣，打动人的情感，让人愉快地受到教育。鉴于这一特征，“新标准”把“情感态度与价值观”放在课程目标的首位。可是在现实音乐教学中，也有学生对它兴趣索然，这种现象形成，主要是来自于学生对自已学习能力缺乏正确的认识而表现出的信心不足。教师要帮助学生树立信心，激发学习主动性，让他们看到自己的能行的一面。
记得在10班一次音乐课上开展了“小歌星擂台赛”，班上有一名胆子特别小的女同学叫田雨晴，平时很少说话，要上台唱歌就更别说了。针对这种情况。我特意安排她和一名歌唱得比较好的同学——雷诗雅一起边唱边跳。当他们一曲下来，同学们都报以热烈的掌声。这时，我看见胆小的雨晴嘴角露出了一丝微笑。接着，我进一步引导，“既然他们的歌声这么美，那么我们请她单独再来一曲，好吗？”面对同学们期盼的眼神，她涨红了脸，但同时我们也惊喜地听到了从她嘴里发出的甜美歌声。雨晴在她的日记中这样写到：“我今天好开心，因为我为班上的同学表演了节目，陈老师表扬了我，全班同学都给了我热烈的掌声。其实做什么事情不要怕就一定能做好！加油吧！”我有了信心作基础，学生们学习的劲头更大了。
心理学家研究证明：当学生的行为表现受到教师的肯定、激励和赞赏时，他们就会产生愉悦、积极主动的情绪体验，就会以饱满的热情、百倍的信心，投入到学习中去。在音乐教学中，要让学生人人都积极参与，并能充分发挥其主观能动作用和创新思维，需要教师用爱心鼓励他们大胆探究，大胆创新。要允许学生根据教学任务有独立的创作和实践，让每个学生的思维不受限制，对学生每一个思维的闪光点都给予充分鼓励。
在音乐活动中，我把学生分成若干组，让他们自由设计活动内容。如《小鹿，小鹿》是一首深受小朋友喜欢的儿童歌曲，歌词内容贴近学生的生活，他们对小动物天生就有一种特殊的情感。在教学中，有个小朋友说：“老师我想把歌词内容改一改，因为我有一只可爱的小狗，行吗？我还能画给大家看呢。”听了孩子真诚而幼稚的话语，我欣喜地笑了：“怎么不行，大家都可以画一画、改一改。”于是，课堂气氛活跃了，或三人一组，或五人一组，纷纷当起了小小音乐家，画的画、唱的唱、奏的奏、演的演，学生情绪达到了极点。在教师的鼓励下，学生敢干对已有知识提出质疑和修改，从而引导学生创新思维的发展。
原苏联教育家苏霍姆林斯基曾经说过“音乐教育并不是音乐家的教育，而首先是人的教育。”因此，音乐教育的根本目的是为了人的全面发展，是教育人、培养人，但我们决不是把每个孩子都有培养成音乐家，而是为众多将来不是音乐家的孩子们着想，鼓励他们成为积极的，有一定音乐能力的音乐爱好者，使他们从音乐中享受到喜悦、乐趣，从音乐中得到启迪，使他们的智力得到开发，培养他们的创造力。并为他们今后的成长发展打下了良好的基础。
例如在《我也骑马巡逻去》一课教学时，学生听了两遍录音范唱便会了，但绝大多数是面无表情地唱。我便启发他们：“你们去过大草原吗？你们骑过马吗？谁说说骑马时的心情？”小朋友一下子来劲了，骑过马的同学纷纷举手回答，我又说：“老师今天带大家去大草原旅行！”于是我扮导游，小朋友扮游客、当小骑兵，在教室里扬起马鞭骑着“大马”，边玩边唱刚学过的歌曲，同学们个个情绪饱满，兴奋异常。歌声中充满了情感，洋溢着美的色彩。
总之，教师必须善于走进学生的情感世界，把自己当作学生的朋友，与学生平等相处，感受他们的喜怒哀乐，并让美的音乐去触动他们的心弦，让音乐与孩子的心灵靠得再近一些吧！
让童心在音乐教育中插上幻想的翅膀！
